Flash musique mai 2024

Enregistré à Londres avec le Royal Philharmonic Orchestra et dirigé par Joe Hisaishi lui même, "A Symphonic Celebration" réunit sur le même album les plus beaux morceaux des films d'animation des studios Ghibli, nouvellement arrangés par le compositeur pour orchestre symphonique, dont Le Château Ambulant, Mon voisin Totoro, Le Voyage de Chihiro, Princesse Mononoké, Kiki la petite sorcière et bien d'autres.

Les mélodies oniriques de l'afro-fusion. Noire ta peau c'est un électro-rock sensible et sensuel transpercé ici et là d'un irrépressible groove mandingue. Dans cette afro-fusion en orbite, le trip hop frôle la musique touareg. Le chant envoûtant en bambara et en français entrecroise des envolées éthiopiques. La voix aérienne et suave rappelle le bleu pétrole de la voûte céleste. Wassa Ste Nébuleuse explore les souvenirs et les espoirs, glisse d'une berceuse lumineuse à un lamento nocturne. Une traversée intime empreinte de mélancolie et d'émotions. Si les nébuleuses sont des pouponnières d'étoiles, Wassa Sainte Nébuleuse est un lieu mystérieux d'où jaillissent des chansons.

L'artiste brésilienne emblématique et révolutionnaire Bebel Gilberto est de retour et annonce la sortie de son nouvel album intitulé Joao via [PIAS] Recordings. L'album de 11 titres est une collection profondément personnelle de chansons écrites et rendues célèbres par son père Joao Gilberto, la légende de la musique brésilienne largement considérée comme le "père de la Bossa Nova", qui est décédé en 2019 après une illustre carrière de 70 ans. Bebel a commencé à chanter avec Joao dès son plus jeune âge et les chansons qu'elle interprète sur ce nouvel album l'ont accompagnée toute sa vie.

'Black Bayou', son nouvel album, plonge l'auditeur dans une spectaculaire virée blues, soul, funk et rhythm'n'blues au coeur du bayou louisianais, avec pour compagnons de route le batteur Patrick Carney, la deuxième moitié des Black Keys, et la crème de la scène blues d'Atlanta. La suite d'un rêve pour un artiste unique, dont la maxime peut se résumer d'une de ses chansons les plus célèbres : 'Get it while you can !'. Robert Finley aura attendu l'âge de 62 ans pour être reconnu comme " le plus grand chanteur soul vivant " selon les propos de son producteur Dan Auerbach (The Black Keys). Des champs de coton à America's Got Talent en passant par la scène internationale, cette carrière extraordinaire d'ex-menuisier devenu mal-voyant, est une belle leçon de vie.

Ladaniva, une musique du monde pop moderne ! Ou plutôt une "musique-monde", d'une richesse rare, qui réinvente ce que l'on appelle trop étroitement le folklore des Balkans, et qui dynamise - si ce n'est dynamite - le format pop anglo-saxon. C'est le secret de la musique de Ladaniva, ce duo franco-arménien déjà devenu un phénomène musical sur la scène internationale. Leurs titres sont devenus pour certains de véritables hymnes dans la diaspora arménienne du monde entier. Mais leur couleur musicale ne se limite pas au pays natal de la chanteuse Jaklin Baghdasaryan : mi pop, majoritairement arménienne et parfois infiltrée de francophone, la musique de la Ladaniva est hybride et métissée et prêche la mélancolie balkanique comme le groove créole, habitée par des échos hip hop et des ambiances reggae... Elle revisite audacieusement les folklores du monde.

Elisapie, ambassadrice des voix autochtones du Grand Nord Canadien, reprend les titres mythiques de son enfance ! Elisapie incarne une élégance musicale certaine et un féminisme en avance sur son temps. Avec ce nouveau disque, la chanteuse qui a grandi à Salluit, un petit village du Nunavik, la région la plus au nord du Québec revient sur son enfance et adolescence en explorant ses titres préférés qui l'ont vues s'émanciper en tant que femme et en tant qu'artiste. Le défi était grand de revisiter ces chansons intemporelles de groupes ou d'artistes légendaires (Blondie, Metallica, Cindy Lauper, Queen, Pink Floyd,...) Ces classiques réinterprétés sont chantés en Inuktitut, sa langue natale. De cette traduction découle une force et une poésie inédite. Activiste dévouée, figure incontournable au Canada , son attachement inconditionnel à son territoire et à sa langue, se situe au coeur de son parcours créatif et donc de son oeuvre. Cette langue millénaire incarne la rudesse de l'environnement et la beauté féroce du territoire inuit. Cet album est le fruit de tout cela : une constellation de souvenirs aussi sensibles qu'oniriques. A la sortie des singles Uummati Attanarsimat et Isumagijunnaitaungituq, Debbie Harry (Blondie) et le groupe Metallica, acclament toute la beauté des versions de Heart of Glass et The Unforgiven.

Nommé d'après la chanson de Grateful Dead qui conclut ce double album inspiré, Uncle John's band présente le grand guitariste John Scofield dans un moment particulièrement créatif de sa carrière. Choisissant d'aborder un répertoire résolument éclectique, Scofield à la tête de son trio composé de Vicente Archer à la contrebasse et Bill Stewart à la batterie revisite ici des chansons de Bob Dylan ("Mr tambourine man") ou Neil Young ("Old man"), mais aussi "Somewhere" de Leonard Bernstein et le grand classique de Miles Davis "Budo" extrait des mythiques séances Birth of the cool. D'autres standards de jazz comme "Stairway to the stars" et "Ray's idea" viennent compléter le programme aux côtés de sept pièces originales de Scofield déclinant une grande variété de styles et d'humeurs allant du swing au funk en passant par le folk. Fil rouge de l'album : la formidable verve du trio en matière d'improvisation. "J'ai l'impression que nous pouvons à tout instant aller dans n'importe quelle direction," explique John Scofield à propos de la plasticité et de la polyvalence exceptionnelle de son groupe. Uncle John's band a été enregistré au Clubhouse Studio de Rhinebeck, New York, en août 2022.

Hadsel est le premier nouvel album de Beirut depuis la sortie de Gallipoli en 2019 et le premier sur Pompeii Records, le propre label de Zach Condon. Enregistré sur l'île norvégienne de Hadsel peu après qu'une crise physique et mentale l'ait contraint à annuler sa tournée de 2019, Zach cherchait un endroit pour se rétablir après avoir été laissé dans un état de choc et de doute. Travaillant dans l'isolement, Zach était perdu dans une transe, trébuchant aveuglément sur un effondrement mental mis de côté depuis son adolescence. C'est arrivé brusquement et ça l'a sonné. Il s'est retrouvé confronté à beaucoup de choses passées et présentes tandis que la beauté de la nature, les aurores boréales et les terribles tempêtes jouaient un spectacle impressionnant autour de lui. Les quelques heures de lumière révélaient la beauté insondable des montagnes et des fjords alors que les longs crépuscules le remplissaient d'une excitation méditative. Zach aime penser que ces paysages sont en quelque sorte présents dans la musique. La collection de chansons qui en résulte reflète magnifiquement cette vulnérabilité, ce sens de l'autodétermination et la conviction qu'après l'effondrement, on peut réapprendre à se débrouiller seul.

Le retour triomphant des nouveaux maîtres de la soul internationale ! L'incroyable duo d'Austin Black Pumas avait marqué les esprits en 2019 avec son premier album éponyme, un véritable concentré de soul psychédélique et électrique qui les avait rapidement propulsés aux sommets ; une ascension fulgurante avec 7 nominations aux Grammy Awards, plus de 450M de streams pour le désormais classique 'Colors' ainsi que des tournées mondiales à guichets fermés. Ils sont enfin de retour avec un deuxième album : Chronicles of a Diamond. Le groupe y élargit sa palette sonore en incorporant une étendue éblouissante de genres musicaux : des touches de pop céleste, des excursions étonnantes dans le jazz-funk ainsi que des balades gospel aériennes semblant tomber des étoiles. Encore plus sauvage et extravagant, Chronicles of a Diamond est l'expression la plus complète de la créativité frénétique et de la vision illimitée d'Eric Burton et Adrian Quesada.

Stacey Kent, éblouissante ambassadrice du jazz vocal, est de retour avec "Summer me,Winter me" : une savante combinaison de nouvelles compositions et de reprises du grand répertoire. Avec une adaptation du mythique "Ne me quitte pas" de Jacques Brel chanté à la fois en français et, pour la première fois enregistrée sur disque, en anglais avec "If you go away" ; cet album offre une sélection parfaitement équilibrée des titres les plus attendus aux concerts de la chanteuse américaine. A la fin d'un concert, en séance de dédicace, on me pose souvent la question : "Sur quel album se trouve cette chanson ?" Comme les concerts mêlent invariablement ancien et nouveau répertoire, je me vois parfois répondre : "Elle ne figure sur aucun." Cet album réunit donc plusieurs chansons, susceptibles d'offrir une réponse à tous ceux qui, au fil des ans, nous ont demandé, un peu déçus : "Vous n'avez pas enregistré If you go away ?". Pour la première fois aussi, j'enregistre sur un album deux fois la même chanson. J'ai mis If you go away à mon répertoire en 2018, alors que Jim en écrivait, en vue d'un concert à Paris, un arrangement pour orchestre. Il m'est arrivé de chanter quelque fois l'original de Jacques Brel, Ne me quitte pas. Mais quelle que soit la langue, il y avait toujours quelqu'un pour me demander pourquoi je n'avais pas choisi l'autre version. Certains chanteurs ont alterné les deux langues : dans les deux versions, les paroles sont intrinsèquement belles, et méritent d'être défendues. J'ai donc choisi de les enregistrer toutes les deux. S'il ne s'agit pas tout à fait d'un album voué à répondre à des demandes, "Summer me, winter me" est une réaction à une enquête informelle et impromptue en quelque sorte, compile certaines de vos "requêtes" les plus significatives. J'espère que vous vous réjouirez de cette sélection ; j'ai hâte de vous pouvoir vous dire, à mon prochain concert : "Elle est sur cet album.".

Collaborateur de Jay-Z, Beyonce, Rihanna, Eminem et Snoop Dogg, le trompettiste Keyon Harrold bouscule les genres en pulvérisant les frontières entre jazz, R&B et hip-hop dans sa production essentiellement instrumentale. Né de l'isolement causé par la pandémie, marqué par la perte de sa mère et l'agression raciste subie par son fils de 14 ans, 'Foreverland', son troisième LP, est celui de la résilience et du renouveau créatif pour Keyon Harrold. Un album profond, positif et libérateur accompagné d'invités de prestige, parmi lesquels Laura Mvula, Common, Robert Glasper, PJ Morton et le légendaire claviériste Greg Phillinganes.

Le vocaliste, compositeur et producteur britannique Sampha revient enfin avec un second opus, six ans après le sublime 'Process'. Tirant des fils narratifs empruntant à l'Afro-futurisme et au réalisme magique, 'LAHAI' est un voyage entre les générations, les sons, les époques et les lieux, explorant les multiples modes de connexions liant les humains les uns aux autres. Après avoir prêté sa plume et son timbre inimitable à certains des plus grands artistes contemporains (dont Kendrick Lamar, Stormzy, Solange, Frank Ocean ou encore Alicia Keys), Sampha tra- vaille ici les voix dans des paysages sonores oniriques, en tissant les textures et les langues pour créer la toile de fond de 'LAHAI'. L'album comprend les participations de Yaeji, Lea Sen, Laura Groves ou encore El Guincho pour ne citer que quelques-uns des artistes éminents au casting de 'LAHAI'.

Le temps modèle, transforme et révèle l'artiste a lui même, il est un élément essentiel du processus artistique. Dans ce nouvel opus au titre proche de l'oxymore, Sophie Alour poursuit sa quête d'elle-même, loin des codes du genre et libérée de toute idée de performance. Diluant la perception du temps, passant de la rêverie a des rythmes hypnotiques, elle mêle en alchimiste toutes les sources de son inspiration. Entre la guitare acoustique de Pierre Perchaud, le son de violoncelle de Guillaume Latil, qui offre la possibilité d'un chant à deux voix avec le saxophone ténor dont il partage la tessiture et la batterie minimaliste de Anne Paceo, Sophie Alour s'empare de la contrainte imposée par cette formation pour en faire l'outil d'une écriture épurée et expressionniste. BIO : Sophie Alour en est à son neuvième projet en leader. En 2022, elle a reçu la Victoire dans la catégorie 'Artiste de l'année'. Elle a reçu le prestigieux prix 'Django Reinhardt' pour toute sa carrière en 2021 ainsi que la médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres des mains de la ministre Roselyne Bachelot en mars 2022. Son parcours, les récompenses récentes, ce disque au titre en forme de prophétie auto réalisatrice témoignent d'une musicienne en pleine maturité qui est à un moment clé de sa vie artistique. Née en 1974, Sophie Alour a commencé le saxophone en autodidacte à 19 ans, après avoir étudié la clarinette au conservatoire de Quimper. C'est sur scène, in vivo, qu'elle fait l'apprentissage du jazz et les collaborations s'enchainent à partir des années 2000, avec notamment Wynton Marsalis, les frères Belmondo, Aldo Romano ou Laurent Coq. ... Elle a sorti huit albums sous son nom, tous salues par la critique (Choc jazzman, ffff Télérama , disque d'émoi etc) Aujourd'hui, Elle fait partie du quartet de Rhoda Scott depuis quinze ans et joue régulièrement avec le batteur Léon Parker, avec le big band de Christophe Dal Sasso et on a pu la voir aux cotes de Glenn Ferris, Bireli Lagrene, Jeff Ballard, Ambrose Akimusire, les frères Belmondo, Andre Ceccarelli, Geraldine Laurent, Eric Le Lann, Alain Jean Marie, Airelle Besson, l'ONJ, Manu Katche, Thomas Dutronc etc. Son parcours est jalonne par de nombreuses nominations et distinctions, Django d'or 2007 du jeune talent, Generation Spedidam 2018, nomination aux Victoires 2019 puis 2020. Un parcours qui trouve son couronnement avec le prestigieux Prix Django Reinhardt 2020 de l'Académie du Jazz et une Victoire dans la catégorie 'Artiste instrumentale de l'Année' en 2022.

L'Indien des Batignolles En titrant de manière explicite son nouvel album 'An Indian's Life', le contrebassiste et compositeur Henri Texier vient clôturer en beauté une sorte de triptyque phonographique informel - débuté en 1993 avec 'An Indian's Week' et poursuivi en 2016 avec 'Sky Dancers' - faisant de la cause amérindienne et, au-delà, de la figure quasi-mythologique de l''Indien', à la fois la matrice imaginaire et le moteur poétique de son geste artistique. UN MODELE IDENTIFICATOIRE Ce n'est un mystère pour quiconque suit un tant soit peu sa carrière, Henri Texier voue un intérêt tout sauf dilettante et anecdotique à l'univers des Native Americans. ' C'est une passion qui remonte à l'enfance', explique-t-il, 'Un truc très intime mais assez peu réfléchi qui me reconnecte au petit Parigot des Batignolles que j'étais dans les années 50, qui adorait jouer aux cowboys et aux Indiens et qui immanquablement choisissait le camp des Indiens quand les autres étaient attirés par le revolver en plastique et la panoplie du cowboy... De façon très confuse, le Paris ouvrier et populaire de mon enfance, les Indiens, l'élégance, la liberté - tout ça est intimement lié dans mon imaginaire... Par la suite j'ai bien entendu introduit le jazz dans le cocktail... J'ai fait le lien entre le génocide des Amérindiens et l'oppression subie par les Afro-américains et je me suis identifié à cette part maudite de l'Amérique à travers le jazz... C'est un processus assez complexe en fait, beaucoup plus intime qu'esthétique, et qui n'a pas d'autre lien qu'imaginaire avec la musique.' LA VOIX DES 'AUTRES' Car si au final Henri Texier peut se prévaloir dans ce nouveau disque de parvenir une fois encore à entrer en résonance avec la psyché amérindienne, c'est incontestablement dans ce rapport vivant à la mémoire, aux ancêtres, à la tradition, que sa musique (re)met en jeu chaque fois de façon si sensible. De ses amis Carla Bley et Steve Swallow à la figure tutélaire de Charles Mingus, honorés chacun d'une composition, en passant par Don Cherry ou encore Paul Motian, dont les influences maintes fois réaffirmées ne cessent d'affleurer ici et là comme autant de marques d'amour et de respect, Henri Texier n'oublie jamais de rappeler d'où il vient, faisant de sa musique foncièrement accueillante un espace de dialogue entre les traditions et les générations et de 'reconnaissance' de l'autre dans toutes ses différences. Henri Texier ne sera jamais un Indien, il le sait, tout comme il ne sera jamais Charles Mingus - mais l'un et l'autre se rencontrent dans sa musique et c'est tout son génie que de faire entendre sa voix la plus intime à travers ce dialogue imaginaire.

L'album attendu de celui que la scène jazz appelle unanimement au succès. Sullivan a fait appel à un de ses maîtres, Fred Hersh, pour réaliser un enregistrement en piano solo de standards issus du Great American Songbook mais aussi de classiques de Stevie Wonder, Randy Weston et Antonio Carlos Jobim. Les propositions innovantes de Sullivan sur ce répertoire sont souvent à couper le souffle tant elles sont surprenantes et toujours bienvenues. Sullivan à tenu à coupler ce piano solo avec un autre projet en solo mais cette fois ci il y joue de l'orgue des synthés, des percussions et il y chante même. Une autre façon d'être expérimental et innovant. Pour lui ces deux projets ne sont que les deux faces de la même pièce. Il ajoute à son parcours déjà iconoclaste une oeuvre protéiforme et fascinante.

Malgré les 23 années qui ont passé depuis la sortie de leur précédent album, les quatre membres de F.F.F. n'ont jamais pensé un seul instant à se séparer, convaincus que leur aventure pouvait se relancer à tout instant à partir d'un éclair. C'est exactement ce qu'il s'est passé lorsque les quatre vieux complices ont décidé de relever le défi de donner naissance à leur cinquième album. Pendant la création d' " I SCREAM ", baptisé ainsi pour le jaillissement des tripes qu'il représente, Marco Prince, Yarol Poupaud, Nicolas Baby et Krishoo Monthieux se sont laisser porter par l'enthousiasme d'une jeunesse soudainement ressuscitée. Et cela s'entend, tant I SCREAM est une oeuvre sur un fil, à la frontière savoureuse de l'histoire et du risque. Si on retrouve ce qui a toujours fait de F.F.F. un génial OVNI, quand ce trio constitué par la basse, la guitare et la batterie fait soudainement naître une fusion de rock et de funk parée pour faire balloter les corps dans un tourbillon charnel, I SCREAM recèle également des morceaux totalement inclassables, tel " Les Magazines ", premier single qui donne à imaginer une sorte de western survitaminé, tanguant entre les mélopées d'Ennio Morricone et les saillies à la Serge Gainsbourg. Au-delà des rythmes, I SCREAM est aussi un album solidement arrimé à l'époque : de manière tout à fait naturelle, le quatuor a ainsi couché sur le papier des textes qui saisissent avec subtilité l'énergie des combats pour la cause des femmes et la protection de l'environnement, de la même manière qu'il martelait son dégoût du racisme dans le célèbre " Ac2n " de son tout premier album, en 1991. Lorsque les dernières notes de " Love Train " retentissent, une chose est sûre : F.F.F. est bien de retour, et ça fait un bien FFFou !

ILION de SLIFT est une oeuvre de musique rock gigantesque, un disque qui démarre au plus haut et ne se relâche jamais. Si cela vous semble démesuré, sachez qu'avec le trio toulousain on est entre de bonnes mains. Leur troisième album est massif et océanique, fusionnant l'intensité furieuse du métal et les guitares héroïques du psych rock avec le sens épique du post-rock. ILION est le genre de musique que l'on écoute en se disant : "C'est le fruit du travail de trois personnes seulement ?" C'est bien le cas, et la férocité totale de SLIFT est bien plus qu'une tempête dans une tasse de thé. Elle s'étend sur des kilomètres et crée de nouveaux zéniths dans les horizons imprévus du rock. SLIFT est composé des frères Jean et Remí Fossat, et de Canek Flores, qui a rencontré les frères Fossat à l'école. Le groupe s'est formé en 2016 et a rapidement produit son premier EP en 2017, Space Is the Key, qui fusionnait la lourdeur du stoner rock avec les qualités de sucre du rock garage. À partir de là, les choses sont devenues encore plus étranges : Le trio a expérimenté des tempos plus rapides et des bongos (!) sur l'album La Planète Inexplorée de l'année suivante, et en 2019, leur session KEXP enregistrée au festival des Trans Musicales de Rennes est devenue une sensation virale, accumulant plus de 1,4 million de vues sur YouTube. UMMON, sorti en 2020, représente le pivot de SLIFT vers les confins célestement écrasants du psych-metal, marqué par les lignes de basse roulantes de Remí et les coups de poing implacables de Flores. Mais rien dans leur catalogue ne pouvait vous préparer à ILION, un disque énorme et mélodiquement dense qui rappelle à la fois Godspeed! You Black Emperor, la brûlure passionnée des légendes du post-hardcore ...And You Will Know Us By the Trail of Dead, le mysticisme psychotique du blues-rock de Led Zep et le tourbillon psychédélique des grands Suédois de Goat. Du lourd, certes, mais n'ayez crainte, car vous n'avez pas besoin d'un dé à 12 faces et d'une copie de l'Odyssée pour comprendre ce que SLIFT propose sur ILION. Tout ce dont vous avez besoin, c'est de deux oreilles, d'un esprit ouvert et de la volonté d'être vraiment époustouflé.

Après de nombreuses collaborations internationales sur scène ces dernières années (Des Chieftains à Jordi Savall en passant par Gilles Servat), Carlos Nuñez jette son ancre dans l'océan celtique et nous propose un nouvel opus inspiré des musiques celtes passées, actuelles et futures à travers une symphonie composée en naviguant sur les routes maritimes de la Brittany Ferries, compagnie reine des mers celtes. L'occasion de fêter en musique le 50ème anniversaire de la compagnie maritime européenne qui partage avec Carlos Nuñez leur date de naissance et la même passion de l'Ouest Européen. Une oeuvre universelle, généreuse et bienveillante, inspirée par l'océan.

A travers 10 reprises, "Elles" rend hommage aux voix de femmes et en particulier à quelques-unes des chanteuses qui ont marqué l'itinéraire de Youn Sun Nah, de Nina Simone à Roberta Flack en passant par Björk ou Edith Piaf. Pour la première fois en duo, avec la complicité du pianiste-claviériste américain Jon Cowherd (Brian Blade Fellowship), la chanteuse coréenne a imaginé ce florilège de chansons par-delà les époques et les frontières musicales. Un nouvel album au visage intimiste mais au fil duquel Youn Sun Nah reste fidèle à elle-même, à sa voix et aux sillons invariablement ouverts de sa musique.

Il vente et il pleut, ce vendredi 14 juillet 2023, sur la site des VieillesCharrues. Mais les 50 000 spectateurs bretons vont être emportés parcette vague d'énergie, de mélodies et de bonheur de jouer que le CELTICSOCIAL CLUB va lancer à fond de train pendant ces 80 minutes. Lespieds dans l'eau, mais le coeur en fête, les franco-irlandais donnent cejour-là un impressionnant et magique concert.

Après des débuts réussis chez Blue Note, le trompettiste et compositeur de talent Ambrose Akinmusire, revient cet hiver avec un nouvel album intitulé Owl Song, son premier pour Nonesuch. Un nouveau projet qui promet d'être personnel, avec une vision plus profonde du jazz. En attendant cette sortie, l'artiste nous dévoile ce 11 octobre, un premier titre, en collaboration avec le guitariste Bill Frisell et le batteur Herlin Riley, également présents sur les autres titres de l'album. Les trois jazzmen se retrouveront pour une tournée en Europe de janvier à février 2024.

The Libertines, groupe culte du punk rock britannique des années 2000 composé de Pete Doherty, Carl Barât, John Hassall & Gary Powell, reviennent après 8 ans d'absence avec l'album 'All Quiet On The Eastern Esplanade'. Ce nouvel album, annonce le retour du groupe pour le printemps 2024. De retour avec un album composé en Jamaïque à l'hiver 2023, accompagnés du producteur Dimitri Tikovoï (The Horrors, Charli XCX, Backy Hill) et masterisé par Dan Grech (Lana Del Rey, Liam Gallagher, Paul McCartney). Selon Carl Barât c'est l'histoire entière de The Libertines qui a menée à la création de cet album : " Notre premier album est né de la panique et de l'incrédulité quant au fait d'être en studio ; le deuxième est né d'un conflit et de la misère ; le troisième est né de la complexité, celui-ci donne l'impression que nous étions tous au même endroit, à la même vitesse, et que nous nous sommes vraiment connectés. ".

Plus de 20 ans après la sortie de Up en 2002, Peter Gabriel revient avec un nouvel album : i/o. Cet album reflète la beauté et l'aptitude de l'artiste à écrire des chansons qui vous arrêtent, avec cette voix palpitante et délicieusement intacte. Le passage du temps, la mortalité et le deuil, l'injustice, la surveillance et les racines du terrorisme font partie des thèmes abordés dans ce nouvel album. Mais il ne s'agit pas d'un disque solennel. i/o est musicalement aventureux, souvent joyeux et finalement plein d'espoir. Les 12 titres de l'album sont disponibles dans deux versions différentes : le Bright-Side Mix réalisé par Mark 'Spike' Stent, et le Dark-Side Mix réalisé par Tchad Blake, deux mixeurs de renommée internationale.

IDLES est de retour, pour un cinquième album studio ! TANGK est le cinquième album, juste et vibrant, des chercheurs de vérité en folie IDLES. Prononcé "tank" avec une pointe de "g" - une référence onomatopéique à la façon dont le groupe imaginait le son de ses guitares, devenue depuis un sigle de la vie amoureuse - l'album est l'oeuvre la plus ambitieuse et la plus frappante du groupe à ce jour. Alors qu'IDLES s'était fixé pour objectif de faire chier le monde, de s'opposer férocement aux éternels ayants droit, ils sont arrivés pour offrir les fruits d'une telle persévérance : l'amour, la joie et la gratitude de vivre. TANGK, coproduit par Nigel Godrich, Kenny Beats et Mark Bowen, le guitariste d'IDLES, rayonne d'un sens radical du défi et de l'autonomisation. Malgré sa réputation d'incendiaire post-punk, le leader Joe Talbot chante avec passion ces dix chansons, offrant chaque voeu lascif ou plaidoyer de solidarité comme une véritable chanson pop, c'est-à-dire une chose que tout le monde peut faire circuler et partager, des hymnes communautaires destinés à surmonter nos griefs. TANGK est un album d'amour, ouvert à tous ceux qui ont besoin de crier quelque chose à haute voix pour repousser le sentiment de vide qui les envahit, maintenant ou pour toujours.

Green Day présente son nouvel album "Saviors", comprenant le single " The american is killling me", sorti le 24 octobre dernier. Suite à l'album "Father of all...", le trio incontournable renoue avec Rob Cavallo ("Dookie, "American Idiot") à la production et offre une ode au punk et au rock n roll. Le groupe fêtera également les 20 ans du cultissime "American idiot" en 2024, vendu à plus de 8 millions d'exemplaires.

Après le succès du précédent opus GRANDADDY revient avec un album aux contours encore plus magiques et à l'émotion communicative. Superbe et captivant ce "Blu Wav" est à posséder absolument et se doit de figurer aux côtés de ses prédécesseurs.

Mamani Keïta, Oumou Sangaré et Mariam Doumbia s'associent pour un projet commun ! Les Amazones d'Afrique est une force créatrice qui embrasse des voix internationales, des harmonies douces et fortes qui invoquent les droits des femmes et des filles, et un mélange de patrimoine et de nouveaux talents génétiques. Le groupe a été formé à Bamako, au Mali, en 2014 par trois célèbres stars de la musique malienne et militantes du changement social, Mamani Keïta, Oumou Sangaré et Mariam Doumbia, et le collectif s'est depuis élargi pour impliquer de nombreuses artistes féminines de toute l'Afrique et de la diaspora. Si leur cause - la campagne pour l'égalité des sexes et l'éradication de la violence ancestrale - est suffisamment louable en soi, leur expression créative musicale est tout aussi puissante. Richement mélodique et variée, elle mêle les styles panafricains et les harmonies collaboratives à une pop grinçante et contemporaine. Après deux albums à succès produits par Doctor L, innovateur de Congotronix, le groupe a travaillé avec le célèbre producteur pop Jacknife Lee (U2, Taylor Swift, Modest Mouse) pour présenter un son totalement nouveau sur leur troisième album "Musow danse", qui s'inspire du hip-hop, de la trap et de la musique électronique.

The Last Dinner Party dévoilent leur tout premier album 'Prelude of Ecstasy'. Après avoir fait sensation sur les scènes du monde entier en première partie d'artistes majeurs tels que Florence + The Machine, The Rolling Stones, Lana Del Rey ou encore Nick Cave, le groupe ne cesse de conquérir le public international. Composé d'Abigail Morris, Georgia Davies, Lizzie Mayland, Aurora Nishevci et Emily Roberts, The Last Dinner Party est le nouveau groupe anglais à suivre. Présentant un univers mêlant des références mystiques et baroques, elles redéfinissent l'alt-pop britannique avec une proposition musicale et une esthétique singulière.

Des guitares fuzz, cuivres et percussions hallucinantes résulte un mélange explosif au son électrique psychédélique. Le groupe donne à sa musique une appellation : afro-mandingo, tendance afro-jazz latin, brassant les cultures modernes et plus anciennes. Après un énorme succès au Sénégal et en Gambie Dieuf-Dieul de Thiès se sépare soudainement après 4 ans d'existence, en 1983. Reformé en 2015, le groupe réalise ses 2 premières tournées européennes en 2017. Aujourd'hui l'histoire continue avec la sortie d'un premier album studio. Dieuf-Dieul : "donner-recevoir".

La poésie de Camoes chantée par Lina et produite par Justin Adams, touchante et pleine de vie. Trois ans après le succès de son album avec le producteur et musicien Raül Refree, nommé aux Victoires du jazz 2020, la chanteuse de fado Lina est de retour avec Fado Camoes, un album inspiré de la poésie de Luis de Camoes produit par Justin Adams. Lina s'entoure de la guitare portugaise de Pedro Viana, et du piano, claviers et arrangements de John Baggott (Massive Attack, Portishead). Justin Adams est présent sur presque toutes les chansons à la guitare et aux percussions. Lina chante également un duo avec la figure de proue de la folktronica espagnole Rodrigo Cuevas. La chanteuse nous emporte vers la poésie de Camoes avec un son renouvelé et une composition envoûtante et minimaliste tout en gardant son expressivité vocale, sensorielle, palpitante, touchante et pleine de vie.

Hurray For The Riff Raff revient avec son nouvel album The Past Is Still Alive ce 23 février 2024. Un album enregistré en Caroline du Nord, après le décès de son père. Un projet qui traite des sujets comme l'amour, la perte, la mémoire et le temps qui passe.

The Smile, le supergroupe formé par Thom Yorke et Jonny Greenwood de Radiohead avec le batteur de Sons of Kemet Tom Skinner, sort un second album 'Wall of Eyes' chez XL recordings. Le nouvel opus est une brillante et aérienne collection de 8 titres explorant les frontières du shoegaze et de l'indie rock, accompagnés d'un orchestre à cordes et portés par la voix inimitable du leader de Radiohead.

Hormis Rachid Taha qui s'était permis quelques incursions sur les landes foisonnantes et vibrantes de la techno, aucun chanteur raï autre que Cheb Malik ne s'est aventuré sur ce terrain connu pour son effusion abondante de son. En janvier 1986, bon nombre d'idoles du raï se sont pointées à Bobigny lors d'un festival historique et fondateur. Au milieu des spectateurs, le jeune homme vêtu de cuir noir, qui allait assurer la sécurité des concerts de nombreuses stars avant d'en devenir lui-même une, se frottait les yeux non pas éblouis, mais embués par une nostalgie qui était restée ce qu'elle a toujours été. Alors, lui dont la tête est emplie de sons chaudement recommandés par les meilleurs DJs entreprend, un brin provocateur, de se poster à l'avant-garde avec un nouveau concept baptisé " After Raï " qui synthétise à la fois le miel du passé le plus précieux et une audace créatrice proche de l'incontrôlable. Il s'agit là d'un baume bâti en éprouvette-studio à base d'un mix de mélopées et de lyrics arabisants, une sorte d'" Arabeat ", et de modernité arrogante crachée par des samplers, des tourneries électroniques, des basses rugissantes et des guitares sonnant house. L'apothéose en sera une reprise magistrale du Shaft d'Isaac Hayes qui avait semé le feu sur les dancefloor de Paris, Londres, Ibiza ou New York dont le retentissement international doit beaucoup à sa figuration sur une compil' " Paris Dernière " concoctée par Béatrice Ardisson, ainsi que sur l'emblématique série " Buddha Bar " de Claude Challe. Alors, on danse ?

The Room est une collection de morceaux folkloriques provenant de diverses régions d'Amérique du Sud, interprétés par Fabiano do Nascimento et Sam Gendel, respectivement à la guitare nylon à 7 cordes et au saxophone soprano. Présenté avec pureté et concentration, avec des envolées et des lamentations, cet album propose un voyage unique à travers des paysages musicaux et des traditions moins connus, de l'Argentine à l'Amazonie.

Delgres est de retour avec "Promis le ciel", un nouvel album solaire et tempétueux qui fait face à la spiritualité vaine des promesses non tenues. Après "Mo Jodi" et "4 :00 am" qui consacraient les mémoires et les luttes passées, "Promis le ciel" se déroule ici et maintenant ! Si les promesses déçues, les espoirs contrariés, et les réveils douloureux sont légion, Delgres renverse la vision des choses, selon la tradition chère au blues. L'optimisme en toute chose, comme une urgence qui résonne au creux des cuivres, des guitares et des percussions telluriques du groupe aux influences créoles. Une immédiateté, un besoin d'intensité, une rage de vie... Un gospel laïc et puissant. Entre la chaleur des braises et la fraîcheur d'un ciel sans nuages, Delgres nous invite à continuer notre voyage, plus humain que jamais.

Après un hiatus de plus de dix ans, le groupe emblématique Gossip sortira son nouvel album 'Real power' le 22 mars via Columbia Records. Avec Real power, Beth Ditto, Nathan Howdeshell et Hannah Blilie sont de nouveau réunis et retrouvent le super producteur Rick Rubin, qui a dirigé leur opus Music for men en 2009. Le résultat est un retour en force qui célèbre le pouvoir galvanisant de la musique, la joie de l'expression créative et le pouvoir d'une famille choisie après une épreuve collective et personnelle. Gossip a vendu plus de 10 millions de disques. Ils ont reçu plusieurs prix platine dans le monde entier. Ils ont participé à d'innombrables émissions télévisées prestigieuses et ont joué à guichets fermés dans certaines des salles les plus légendaires du monde. La chanteuse Beth Ditto est une icône des questions LGBTQIA+, du féminisme et de la mode.

Dadju et Tayc, deux génies de la musique, ont décidé de dépasser leurs statuts de concurrents en s'associant pour offrir un chef-d'oeuvre musical qui marquera l'histoire. Ils cumulent à eux deux plus de 3 milliards de streams, 30 millions d'abonnés et 4 milliards de vues. Bien plus qu'une simple collaboration, cet album est une célébration de l'amour, de la musique et de l'art où l'harmonie parfaite règne en maître. Un album qui s'apprête à transcender les frontières musicales et plus globalement audiovisuelles en mélangeant les sonorités pop, r&b, et afrolov'.

1er album sorti en 2022 à l'origine par cette artiste mmoderne mais ancrée dans une certaine tradition jazzy lounge malgré tout.

A l'occasion de l'année du centenaire Gabriel Fauré en 2024, le pianiste virtuose Lucas Debargue dévoile une intégrale évènementielle pour piano de Fauré. Ce coffret 4 albums et 68 titres est une nouveauté en tous points remarquable puisqu'il couvre l'ensemble de l'oeuvre pianistique de Gabriel Fauré écrite en 60 ans, que l'album a été enregistré sur un piano spécial de 102 touches jamais entendu en récital, donnant à tout le répertoire de cet enregistrement un son unique et qu'il inclue un livret 88 pages avec des liner notes détaillées sur les différentes oeuvres, leur signification et la vie du compositeur par Lucas Debargue. Un incontournable pour tout amoureux de musique classique !

Extrasystole est un album de Jazz Fusion, une expérience sonore qui transporte les auditeurs dans un monde de mélodies captivantes et d'émotions profondes. Les membres de Coccolite ont exploré de nouvelles frontières musicales en intégrant des instruments traditionnels avec des technologies contemporaines. Extrasystole aborde des thèmes universels tels que la connexion entre l'homme et la technologie, l'équilibre entre tradition et modernité, ainsi que l'exploration des émotions humaines profondes. Les compositions fusionnent subtilement les rythmes électroniques avec des mélodies organiques, créant un univers sonore harmonieux et envoûtant.

" Des chansons en espagnol, aussi engagées que poétiques, portées par une musique voyageuse aux sonorités modernes. Un bouzouki grec, une guitare aux accents flamencos et des percussions afro-latine. Chaque chanson de Cuarteto Tafí raisonne comme un hymne à la vie et à ses joies essentielles.

La rencontre de ces passionnés de grooves, de fanatiques de l'exubérance polyrythmique africaine a donné naissance - sur le bien nommé label Black Stamp- à un premier album éponyme : AH ! KWANTOU. Il témoigne à lui seul de la fécondité des musiques de l'Atlantique noir, et de leur actualité, pour qui sait les marier avec autant d'amour, de respect, et de l'envie de faire danser.

6 ans après le succès de l'album "Cinéma", voici le tant attendu nouvel hommage du violoniste Renaud Capuçon aux compositeurs français de musique de film. " L'idée de ce nouveau disque réunissant des compositeurs de musiques de films français est née il y a une dizaine d'années lors de conversations avec mon ami Jacques Chancel. Il me parlait beaucoup de Georges Delerue et de Pierre Schoendorfer, qui avaient travaillé ensemble sur Diên Biên Phu. Il y a deux ou trois ans, en repensant à ces conversations, j'ai redécouvert la musique de Delerue, et j'ai réalisé quel point il était un compositeur extraordinaire. En hommage à leur talent, à l'amitié entre ces hommes aujourd'hui disparus, j'ai souhaité réaliser cet album autour des plus éminents compositeurs français du 7eme Art : Delerue, Sarde, Legrand, Jarre, Kosma, de Roubaix, Petit, Cosma, Lai, Yared, Rombi, Desplat. Et au travers de leur musique, vous faire revivre des moments magiques avec les inoubliables Romy Schneider, Michel Piccoli, Yves Montant, Philippe Noiret, Louis de Funès et tant d'autres. Puissent ces Choses de la vie vous donner autant d'étoiles dans les yeux que nous en avons eu en les enregistrant avec Les Siècles et Duncan Ward."

Après deux singles de diamant et cinq distinctions aux Flammes (dont celles des Albums de l'année), Gazo et Tiakola sortent l'album commun La melo est gangx. Produit entre Paris et Londres, le projet est l'aboutissement de six ans de collaboration et repousse les limites des styles musicaux des deux rappeurs. Un album de douze titres en forme de blockbuster, sans featuring - avec un solo chacun, et des prods signées Tarik Azzouz, Skread, Kore, SHK, ou encore Flem.

Marquant les 40 ans de The Jesus And Mary Chain, 'Glasgow eyes' a été enregistré au studio Castle of Doom de Mogwai à Glasgow, où les frères Jim et William ont poursuivi le processus créatif qui a abouti à leur précédent album, 'Damage and joy' de 2017, qui est devenu leur album le mieux classé de ces vingt dernières années. Ce qui émerge cette fois-ci, c'est le disque de l'un des groupes les plus influents du Royaume-Uni embrassant son deuxième chapitre toujours aussi productif, leur maelström de mélodie douce et brûlantes et de chaos contrôlé influencé par leur amour pour Suicide et Kraftwerk, ainsi qu'une passion nouvelle pour le côté spontané du jazz. Jim Reid déclare : "Mais ne pensez pas que 'The Mary Chain se soit mis au jazz'. Les gens devraient s'attendre à un disque de Jesus and Mary Chain, et c'est certainement ce qu'est 'Glasgow eyes'. Notre approche créative est remarquablement la même qu'en 1984 : entrer en studio et voir ce qui se passe. Nous sommes allés en studio avec quelques chansons et nous avons laissé les choses suivre leur cours. Il n'y a pas de règles, on fait ce qu'il faut. Et il y a une certaine télépathie entre nous - nous sommes ces jumeaux bizarres qui finissent les phrases l'un de l'autre". "Glasgow eyes" ne fait pas que prolonger l'histoire de The Jesus and Mary Chain, il s'apparente aussi à un retour aux sources. Depuis le premier album incendiaire "Psychocandy" et son classique "Just like honey", les frères Reid sont devenus des marginaux qui ont réussi à s'imposer sans compromis.

 

Reconnu dans le monde entier comme l'un des plus grands chanteurs de Heavy Metal de tous les temps, Bruce Dickinson sortira un tout nouvel album solo le 1er mars 2024 chez BMG. Intitulé "The Mandrake Project", il réunira Bruce Dickinson et son collaborateur et producteur de longue date, Roy Z. "The Mandrake Project" sera le septième album solo de Bruce Dickinson et son premier depuis "Tyranny Of Souls" en 2005. "The Mandrake Project" est une histoire sombre et mature de pouvoir, d'abus et de lutte pour l'identité, sur fond de génie scientifique et occulte.

La légende du rock britannique Rod Stewart s'associe pour la première fois avec le célèbre pianiste, chanteur et compositeur Jools Holland. Les deux artistes et amis se réunissent sur un disque commun intitulé "Swing Fever", composé de 13 titres en hommage aux classiques intemporels du Swing.

Le Maître du concerto ! A la manière d'un cahier d'esquisses, le concerto fonde l'acte créateur chez Vivaldi. Ce recueil élaboré par Théotime Langlois de Swarte propose un large aperçu d'une forme où s'épanouit l'idée musicale dans sa forme la plus directe, des premiers succès du prêtre Roux jusqu'à ses ultimes pages. Un livre ouvert sur sa vie et un panorama musical d'une invention sans limites.

Le cinquième album de l'auteure-compositrice, interprète et activiste sahraouie Aziza Brahim, Mawja ("vague" en arabe Hassaniya) et le quatrième pour Glitterbeat, est façonné à partir d'une palette de base simple mais puissante. Les percussions sahariennes et ibériques se mêlent aux guitares majestueuses et aux basses chaudes et enveloppantes. Coproduit par Aziza et son collaborateur de longue date Guillem Aguilar, sur le plan sonore Mawja ressemble plus à son premier album acclamé, le gracieux Soutak (2014). Cela dit, on retrouve ici un éclectisme confiant, une vision expansive qui inclut même un motif de batterie inspiré par The Clash. Il est coloré par ses propres voyages, sa diaspora personnelle et la musique qu'elle entendait sortir du transistor lorsqu'elle était enfant. La voix d'Aziza, comme toujours, est une source d'émotions profondes et résonnantes. Mawja est un album qui passe d'un état d'esprit à l'autre, du cliquetis bruyant de "Metal, Madera" à sa réimagination de "Marhabna 2.1", une chanson qui figurait sur son premier album, en passant par "Duaa" et "Ljaima Likbira", les élégies tendres et affectueuses d'Aziza pour sa grand-mère.

Fakear a eu besoin de se réinventer. Revenir à l'essentiel avec spontanéité et surtout honnêteté. Dix ans après ses premiers amours et ses premiers succès, il fallait revenir à ses racines sans pour autant regarder le passé avec nostalgie ou dégoût ; plutôt en le contemplant avec bienveillance. Ce renouveau s'est alors traduit en un mot : Talisman, le nom donné à son dernier album, sorti le 24 février 2023. Accompagné d'une tournée française et européenne sold out, d'un passage au Trianon complet lui aussi, et bientôt d'un concert à la salle Pleyel le 02 février 2024. Mais un tel retour, particulièrement remarqué par les médias et le public, ne s'arrête pas net après la sortie d'un album. L'inspiration, pour Fakear, ne s'épuise pas aussi brutalement. C'est ainsi que Hypertalisman est né. La suite de ce renouveau pour Théo, et de cette vague d'inspiration. Tel un prolongement de Talisman : une nouvelle dimension, un univers parallèle. "Talisman était le retour à l'essentiel, Hypertalisman est la fenêtre tournée vers l'avenir."

Une plongée dans l'intimité du biniou, avec de nombreux intervenant(e)s de renom. Pour mieux comprendre cet instrument, Sylvain Leroy lui a construit différents contextes, différents environnements, et ce avec des protagonistes aux propositions singulières et complémentaires. Vous y trouverez (en première mondiale!) une immersion dans le son du couple biniou bombarde grâce à la technologie binaurale . Mais aussi des parties basées sur le chant (source du répertoire du pays de Redon), ainsi que des expérimentations concluantes (avec une batterie jazz-rock, et un groupe de fest-noz). En espérant que du foisonnement des propositions puissent se créer certains équilibres, certaines réponses.

Le vibraphoniste acclamé Joel Ross revient avec son remarquable quatrième album chez Blue Note, ‘Nublues’, un album de blues et de ballades. Les dix titres de l'album comprennent sept nouvelles compositions originales de Ross ainsi que des morceaux de John Coltrane ("Equinox" et "Central Park West") et de Thelonious Monk ("Evidence"), dont la plupart sont interprétés comme des suites spontanées, le groupe se déplaçant avec fluidité sur le terrain musical imprégné de blues.

Il y a environ 2 ans, nous sortions un album de Roger Fakhr. C'est le résultat d'après-midis passés dans la bijouterie d'Issam Hajali, rue Mar Elias à Beyrouth. Nous avions commencé à travailler sur l'idée de rééditer certaines musiques d'Issam et il a proposé son premier album " Mouasalat Ila Jacad El Ard ", enregistré avant de créer son groupe Ferkat Al Ard. À un moment donné, Issam a mentionné qu'il avait en fait conservé une partie de la musique de Roger sur cassette dans son sous-sol - mais a prévenu qu'il ne pouvait pas nous la faire écouter avant que Roger ne donne son feu vert.

La grande voix du reggae africain nous offre son premier album acoustique. Il réinvente ses plus grands titres (Tonton d'America, Africain à Paris, Plus rien ne m'étonne, Ça va faire mal...), et invite à ses côtés de nombreux artistes français et internationaux (Bernard Lavilliers, Chico César, Naâman, Horace Andy, -M-, Tiggs Da Author...). Un incontournable dans sa discographie !

Johanni Curtet est musicien, ethnomusicologue, producteur et directeur artistique de Routes Nomades. Depuis 20 ans, il pratique et étudie le khöömii, chant diphonique mongol, en l'expérimentant à travers diverses créations. Plusieurs disques de sa réalisation sont parus chez Buda musique avec Tserendavaa & Tsogtgerel (2008) ; Une Anthologie du khöömii mongol (2017) ; Khusugtun (2020) ; Batsükh Dorj (2023) ; ainsi que ceux de son trio Meïkhâneh. Avec cette B.O., Johanni signe une double première, une musique de film et un disque en son nom. Ce film est un cri du coeur pour la Mongolie perçu à travers la rude vie quotidienne d'une famille d'Oulan-Bator : les quartiers de yourtes délaissés, le combat quotidien pour survivre l'hiver, la pollution de la capitale la plus froide du monde, la question de l'égalité des chances, mais aussi les enjeux sociaux tels que l'exode rural et le décalage entre la présence nomade et l'urbanisme. Au-delà des problèmes, Ulzii, le personnage principal incarne un grand espoir qui pénètre toute l'histoire. La voix diphonique est le relais de cette voie d'espoir semée des doutes que suit Ulzii, mais rappelle sa région d'origine, l'Altaï. À l'image de sa vie, l'instrumentarium est simple : guitare, luth doshpuluur, vièle morin khuur, contrebasse, guimbardes et beatbox ; tout comme leurs modes de jeu. Cette musique est à la fois minimale, gaie, douce ou énervée, répétitive jusqu'à l'entêtement, comme les états d'âme qui traversent les questionnements de cet adolescent qui cherche à s'en sortir. Elle se réfère à l'identité mongole pour devenir universelle. Les modes pentatoniques se frottent aux dissonances ou au blues en allant parfois chercher des rythmiques d'autres cultures nomades. Mais la présence harmonique, discrète, est partout.

Voici ce qu'écrivait en octobre dernier Les Echos à l'occasion de la semaine de concerts d'Usher en France à la Scène Musicale : " De son nom émane toute une époque. Celle d'un âge d'or, comme on aime à l'appeler, où dans les charts américains se disputaient alors les morceaux d'Aaliyah, de Lauryn Hill ou de Big Pun. Lorsque l'on évoque cette période musicale si singulière, qui a jalonné la fin des années 1990 au début des années 2000, les albums d'Usher - " My Way ", " 8701 ", " Confessions " - font forcément figure de classiques. Et sur les rives de la Seine, dans un show tout droit pensé pour sa résidence à Las Vegas, l'artiste continue de faire revivre cet imaginaire, lui-même qui célébrera, dans quelques mois, ses trente ans de carrière. Sous les lumières de Paris, le voici qui apparaît tel un dandy moderne, bijoux autour du cou et tout de blanc vêtu, une touche de fourrure l'habillant. Le musicien se glisse dans le personnage qu'il a toujours esquissé et dont il n'a jamais totalement cherché à s'émanciper : celui d'un performer total, mêlant le chant à la danse, mais aussi d'un séducteur, dans sa musique comme dans son esthétique. " Ce nouvel album d'Usher marque la réunion créative d'Usher et de L.A. Reid, qui n'ont pas travaillé ensemble depuis l'album de diamant " Confessions " sorti en 2004. L'album a été principalement enregistré à Atlanta, en Géorgie, avec de nombreux producteurs parmi les plus en vue d'Atlanta, dont Sean Garrett, Lil John, The Avila Brothers, Mel & Mus, Tricky Stewart, Rico Love, The-Dream, Jermaine Dupri, D Mile et bien d'autres encore. Summer Walker, 21 Savage et Latto ont également participé à cet album. Avec ses 80 millions d'albums vendus, Usher sera la tête d'affiche du spectacle de la mi-temps du prochain Super Bowl (11 février 2024).

A l'occasion du 30ème Anniversaire du label RUF Records, et par la même des premiers enregistrements de Luther Allison ainsi que de Bernard Allison pour ce label, BERNARD (son fils) a décidé de réinterpréter le répertoire de son père, au travers ce nouvel album. Luther's Blues célèbre la musique du père de Bernard, Luther Allison, véritable légende du blues de Chicago et figure centrale de l'histoire du label. L'ensemble de deux disques comprend 20 titres stellaires de Bernard Allison, chacun étant une composition de Luther Allison précédemment publiée sur l'un des nombreux albums de Bernard. Allison a lui-même sélectionné les chansons de la collection, qui ont été remasterisées avec amour par Pauler Acoustics, une adresse renommée de la scène audiophile. Quiconque a déjà assisté à un concert de Bernard Allison ou écouté ses enregistrements sait à quel point cela signifie pour lui de perpétuer l'héritage musical de son père. "J'ai fait la promesse dès le premier jour - à moi-même et à ma mère Fannie Mae Allison - que j'inclurais toujours au moins une ou deux chansons de mon père sur chaque album que j'enregistre", dit-il. Bernard a tenu cette promesse tout au long de sa carrière, interprétant les chansons de Luther en concert et sur disque, tout en forgeant un style funky et plus rock qui diffère du blues traditionnel dans lequel il a grandi. Son père l'a soutenu alors qu'il cherchait encore sa propre voix musicale, l'encourageant ouvertement à " jouer comme vous le ressentez " plutôt que de copier ce qui précède. Ainsi, sur Luther's Blues, vous entendrez 20 chansons de Luther Allison réinventées pour le 21ème siècle par un membre de la génération blues qui lui a succédé. Ce ne sont pas nécessairement les airs les plus célèbres de Luther ; Lors de la création d'un nouvel album, dit Bernard, il choisit souvent " des chansons qui ont été négligées sur chacun [des albums de mon père] et y apporte ensuite ma propre touche ". La liste des titres s'étend sur exactement 30 ans, depuis "Hang On" - enregistré à Paris à l'été 1992, alors qu'Allison avait la vingtaine - jusqu'à quelques extraits de son plus récent album studio Highs & Lows, qui a atteint # 1 sur le Billboard Blues Chart en 2022 et a remporté une nomination pour l'album Blues Rock de l'année aux Blues. Music Awards. Ses interprétations de morceaux durables écrits par Luther Allison comme " Bad Love ", " Life Is A Bitch " et " Let's Try It Again " sont incluses, et même si nous pouvons considérer ces chansons comme des classiques aujourd'hui, Bernard Allison a joué un rôle énorme. en les gardant dans notre conscience collective. C'est particulièrement vrai pour "Serious", un favori de Luther Allison sorti pour la première fois en 1987. Son fils l'appelle "cette chanson spéciale que j'interprète tous les soirs" et pense que c'est la chanson la plus populaire de son père à travers le monde. Le Luther's Blues de 20 chansons n'est pas le premier album à rendre hommage au regretté grand Luther Allison. Ce n'est pas le premier album à porter ce simple titre en deux mots. Ce qui rend cette collection différente, c'est qu'elle provient de la propre progéniture de Luther - Bernard Allison, un musicien de toujours qui s'est imprégné des traditions du blues durant sa jeunesse à Chicago, a ensuite suivi son père en Europe, est devenu le leader du Luther Allison Band et a finalement fait son sa propre manière, créant de nouveaux sons passionnants pour une nouvelle génération. Depuis toujours, il n'a jamais perdu de vue d'où il vient.

Après quatre albums et de nombreuses collaborations, on se gardera d'affirmer que Marion Rampal prend son envol. Intitulé 'Oizel', son nouveau recueil suggère pourtant une prise d'altitude. Comme un déploiement d'ailes qui, pareil à celui d'un oiseau marin, lui fait s'élever dans l'azur pour mieux plonger en elle-même, dans ces eaux profondes de l'identité, de la mémoire fondatrice où git le trésor de ses souvenirs d'enfance. Si la figure de l'oiseau est devenue essentielle, c'est qu'elle couvait déjà sous sa plume. Son précédent recueil, 'Tissé', s'achevait par un blues féministe, 'Still a bird', où s'esquissait une affinité que 'Oizel' prolonge et achève en convoquant la mobilité spatiale du migrateur, la nécessité vitale du nid, le chant réparateur. 'L'oiseau, sa symbolique à laquelle se rattache l'idée de liberté, m'a accompagné tout au long de la gestation de cet album dont l'enjeu était de s'emparer de la langue française plus que je ne l'avais fait précédemment.' Si Marion a longtemps concilié le format chanson avec la liberté du jazz, elle s'est soumise cette fois au strict respect d'une construction plus classique couplet-refrain collant mieux aux histoires qu'elle souhaitait raconter, aux émotions qu'elle voulait partager, aux portraits qu'elle entendait dresser. Celui de 'Tangobor' évoque l'abandon, la détresse, la résignation peut être quand, à l'inverse, 'Grande Ourse' fait palpiter en nous sur un rythme bluegrass tendance klezmer l'envie de fuite éperdue. Inspiré en partie d'un texte de Florence Aubenas sur une femme ayant rompu avec le monde pour mener une vie de sauvageonne, le morceau révèle cette part d'elle-même qu'elle mit longtemps à assumer totalement... 'J'ai toujours été fascinée par ces figures ancestrales un peu monstrueuses. Ce qui rejoignait en quelque sorte mon envie d'explorer la marginalité et ce basculement vers l'obscur, vers une folie qui soit aussi une libération. L'histoire de cette femme dans les Cévennes qui vit cachée dans les bois, pénètre dans les maisons inoccupées, vole de la nourriture, des habits, a changé mon fantasme en réalité. Elle m'a permis de finir la chanson.' C'est bien dans les sous-bois et les maisons abandonnées de la langue française que Marion se faufile ici pour batifoler comme une enfant livrée à elle-même, s'inventant des expressions - 'Coulemonde', 'Gare-Où-Va', 'Tampi Mon Âme' - presque un dialecte dans lequel elle sinue entre bon usage et chemin buissonnier poétique. La Marseillaise de souche qu'elle est, bien que dépourvue d'accent, a conservé une façon de tourner les phrases qui relève du parler local, celui des grand-mères si présentes en esprit. La chanson française fait peser un si lourd héritage sur celui ou celle qui s'y aventure, qu'elle se devait d'en respecter les codes, l'esthétique mais en lui infusant son imaginaire à l'aide d'un langage qui lui soit propre. 'Les mots, les mots, c'est beau les mots' s'enivre-t-elle dans un pur moment d'humilité et d'éblouissement mêlés. Parfois nous vient l'impression d'entendre des ' chansons d'autrefois d'aujourd'hui' lorsque surviennent 'D'où l'on vient l'hiver', 'Gare-Où-Va', 'Beaux Dimanches' en duo canaille avec Bertrand Belin, ou 'Oizeau', un ragtime feutré. Comme pour explorer un nouvel horizon dans un ciel familier, elle a conclu avec Matthis Pascaud qui réalise l'ouvrage, et Raphael Chassin, aux batteries, un pacte de légèreté. Ce sont eux qui impriment cette sonorité d'aquarelle épousant à merveille cette voix d'elfe pour berceuses éveillées et ballades en apesanteur qui nous frôle, nous caresse, nous embarque tout du long. 'Oizel' tend vers la fluidité, celle d'un folk bu à même la source, d'un country s'échappant d'un champ de lavande, d'une chanson douce recueillie au bord du songe ou d'une valse finale et 'parfaite', celle d''Aux Fleurs', sortie d'un ressac de calanque. L'eau et le ciel se fondent alors dans un même décor, celui d'une enfance heureuse, lumineuse, insouciante. On se baigne dans les souvenirs de 'Canards', évoquant dans un pur instant de bonheur suspendu cette manière de plonger à angle droit comme un palmipède, murmuré en duo avec Laura Cahen, autre sirène. On s'assoit dans la cuisine de Madeleine, grand-mère aux mille sagesses, dont l'âme bienveillante ressurgit sur 'D'Où l'On Vient l'Hiver', rappelant cette fonction mythologique de certains oiseaux qui est d'accompagner l'âme des défunts. C'est par le filtre de ce ré-enracinement, de ce ré-enchantement profond, cette relecture d'elle-même à travers la mémoire et les sens que sont distillées ces 11 chansons d'émotion pure, de grâce éthérée.

Avec 'Suave Bruta', la contrebassiste et chanteuse franco-colombienne Ëda Diaz présente son premier album, onze titres combinant rythmes traditionnels sud-américains et expérimentations électroniques ultra-créatives. A mi-chemin entre une carte astrale poétique et un pont express sur l'Atlantique, Suave Bruta propose une expérience unique. Douce ou indomptable ? Organique ou électronique ? Euros ou pesos ? Ne pas choisir, c'est encore choisir : Ëda Diaz le sait car elle veut tout, et ne s'en excuse pas ! Avec Suave Bruta, la musicienne opère une authentique réconciliation des différentes parties de son identité, des fragments riches et complémentaires qu'elle a longtemps pris pour des contraires. Française par sa mère, colombienne par son père, Éléonore Diaz Arbelaez a tôt fait d'apprendre à jongler entre les langues, les cultures, les rythmes et les manières de pratiquer la musique grâce à de nombreux allers retours entre Paris et Medellín. Exemple : pendant plus de quinze ans, Ëda Diaz s'applique sagement au piano classique au Conservatoire de Boulogne Billancourt. Mais chaque été, au son du tiple et des petits verres d'aguardiente qu'on entrechoque dans le patio de la maison familiale à Medellín, sa grand-mère lui transmet la fougue des tangos de Carlos Gardel, le romantisme des boléros, la liesse des bambucos et tout un répertoire de chants populaires issus des grandes traditions de la musique sud-américaine. Dès lors, réunir les deux continents devient l'obsession d'Ëda Diaz. Mais comment faire ? Comment se situer ? Comment être soi-même ? Puisqu'elle ne se sent ni l'âme d'une concertiste ni celle d'une folkloriste, Ëda Diaz se met alors au rock psyché ! Un pas de côté qui lui permet de se libérer de ses complexes académiques, d'écrire ses premiers textes et de trouver sa voix. La véritable épiphanie, enfin, prendra la forme d'une contrebasse, une évidence pour Ëda Diaz que son padre a biberonné aux plus beaux tumbaos de la salsa. En boucle à la maison : Buena Vista Social Club, Omara Portuondo et Joe Arroyo, le plus charismatique de tous les chanteurs de salsa colombiens. L'un de ses grands classiques, 'Suave Bruta', donne d'ailleurs son nom au premier album d'Ëda Diaz, désormais en paix avec son héritage, son identité, ses goûts et son époque. - - A mi-chemin entre une carte astrale poétique et un pont express au-dessus de l'Atlantique, Suave Bruta propose donc une expérience unique.

Après deux solos très intimistes, le pianiste et chanteur Grégory Privat revient avec PHOENIX, un album lumineux qui célèbre le cycle de la vie et le fait de renaître constamment de ses cendres. Une métaphore sur l'oiseau de feu qui se veut être la continuité de l'album SOLEY paru en 2020. On retrouve le contrebassiste Chris Jennings et le batteur Tilo Bertholo pour un trio hors du commun, vers un jazz spirituel entre pop urbaine, chants créoles, et musique électronique.

Inspirée de nombreux voyages, la musique de Mohamed Najem propose une approche inédite où l'esthétique jazz se nourrit d'influences purement orientales. Mené par un compositeur et clarinettiste de Bethléem, le quartet passe sans effort d'une rive à l'autre, transformant la musique du Moyen Orient en un nouveau langage. Tout en adoptant une instrumentation typiquement jazz (le quartet avec rythmique piano-contrebasse-batterie), Mohamed Najem, clarinettiste né en Palestine, se situe au carrefour de trois cultures musicales et instrumentales : jazz, musique classique et musique orientale. Inspiré par les histoires que lui racontait son grand-père, né à Jaffa (" la fiancée de la mer et la ville des oranges "), Mohamed puise dans ses voyages et sa mémoire la richesse de ses mélodies, hautes en couleurs. Il crée ainsi, au-delà des styles, un nouveau langage musical, nourri d'accents orientaux et contemporains. Créé en 2016, cet ensemble a participé à de nombreux festivals en France, et aussi loin qu'à l'Institut français du Gabon, lors de la semaine de la musique classique et du jazz, et au Qatar, lors du Katara European Jazz Festival. En juin 2017, le quartet a été l'une des six formations en lice du concours de jazz le plus important en France, le Concours national de jazz de la Défense. Il a effectué une tournée au Royaume-Uni en juillet 2017, à Londres, Manchester, Leeds, Birmingham et Édimbourg, et a joué à l'Ora Jazz Festival en Roumanie, au Multiphonics Festival en Allemagne, et récemment à l'Unesco, à Paris.

Au cours de l'année 1700, Corelli publie à Rome les 12 sonates pour violon opus 5. Véritable révolution dans la technique du violon, elles suscitent l'admiration d'éminents compositeurs (Bach, Dandrieu, Couperin) et influencent grandement les Français (Francoeur, Leclair, Senaillé, Quentin) qui vont s'essayer à ce style italien aussi virtuose que brillant. À la fin des années 1730, les six premières sonates de l'opus 5 sont " ajustées à la flûte traversière avec la basse " par un éditeur parisien. Le niveau de virtuosité qu'elles requièrent est alors tout à fait novateur. Cette démonstration de virtuosité se retrouve également dans les compositions de Jean-Baptiste Quentin, dit Le Jeune. Nous avons très peu d'éléments biographiques sur Quentin lui-même, mais toute son oeuvre s'inspire grandement de la musique italienne et est très influencée par Corelli. Anna Besson signe ici le premier enregistrement mondial de ses sonates, avec la complicité de deux autres éminents interprètes de la nouvelle génération baroque, Myriam Rignol à la viole de gambe et Jean Rondeau au clavecin...

La princesse de l'afro-pop bantoue Pamela Badjogo revient avec un nouvel album avec des invités prestigieux dont Pat Thomas en featuring, Kelly Khumalo. La princesse gabonaise à la voix soul bantue est de retour au devant de la scène avec des nouveaux sons Afropop/ soulbantu enrégistrés entre Accra, Berlin et Paris. Après avoir évolué aux cotés de Salif Keita, Oumou Sangaré ou Cheick Tidiane Seck ... elle y affirme aujourd'hui son identité musicale : un cocktail bouillonnant mêlant afro-pop, highlife façon bantoue et afrobeat qui nous plonge dans l'effervescence des nuits agitées d'Afrique Centrale. Accompagnée sur scène de son directeur musical Kwame Yeboah, multi-instrumentiste et architecte des albums de l'iconique chanteur de highlife ghanéen Pat Thomas, la charismatique chanteuse s'inscrit dans la tendance actuelle par ses mélodies pop entraînantes. Au passage elle met sa musique au service d'un féminisme joyeux comme elle aime le nommer. Après une tournée aux quatre coins du globe avec son précédent opus, la lauréate du prix des musiques d'ici 2022 dévoile un nouvel album sobrement intitulé " YIEH "... comme lâcher prise dans sa langue maternelle le bakaningui, puis dans les traditions rythmiques ancestrales de son pays et d'Afrique de l'Ouest (où elle a passé plus de 10 ans en tant que choriste de Salif Keita, Rokia Traoré, Oumou Sangaré). Dans ce disque, les sonorités bwiti, pygmées, et mandingues se mêlent aux univers new-highlife et afrobeats actuels, ces styles nigérian et ghanéen en pleine effervescences sur tout le continent Africain et sur la planète. L'orchestration est minutieuse, rythmée par des cocottes de guitares envoûtantes. Des arrangements soignés qu'elle doit au directeur artistique de ses disques, le guitariste spécialiste du highlife, Kwame Yeboah(producteur musical et arrangeur de Pat Thomas et de Ebo Taylor). Aron Ottignon (Pianiste et arrangeur de Stromae sur le titre papaoutai) et Élisée Sangaré son musiciens de longue date. Cet album résolument dansant fait écho aux soirées ambiancées d'Accra ou de Libreville mais n'en est pas moins dénué de sens. La chanteuse avec sa voix douce aux accents graves nous emporte une fois de plus dans un voyage musical profond et introspectif au travers duquel elle explore les dramesp ersonnels, les triomphes, et les défis quotidiens rencontrés par une femme africaine de notre époque, tout en célébrant l'âme de son héritage culturel.

La productrice et vocaliste Erika de Casier revient avec un troisième opus, Still, à paraître chez 4AD. Repérée par un public de fins connaisseurs dès 2019 avec son album 'Essentials', c'est sa signature chez 4AD et la sortie de 'Sensational' en 2021 qui entérinent le statut d'Erika de Casier comme l'une des figures les plus prometteuses du r&b contemporain. Après une tournée internationale et des collaborations avec quelques-unes des plus grandes pop-stars (Dua Lipa, NewJeans), la musicienne est de retour avec 'Still', et y démontre des talents de productrices et de parolière toujours plus affutés. Fidèle à son humour pince sans rire et à son électronica luxuriant, Erika de Casier évoque les différentes étapes d'une relation amoureuse, de la rencontre à la rupture, accompagnée de N à la production et avec les participations de Blood Orange et They Hate Change.

Malo Mazurié, un nom de trompettiste qui résonne déjà dans les cercles du jazz, prend enfin le devant de la scène avec "Taking The Plunge". Partenaire privilégié de Laurent Cugny, Pierrick Pédron, Thomas Dutronc, Eric Legnini, il se plonge dans l'aventure de leader. Son premier album ne se contente pas d'être un hommage à l'early jazz, il offre aussi huit compositions qui évoquent brillamment ses héros tels que Duke Ellington, Jelly Roll Morton ou Bix Beiderbecke. L'album est enraciné dans le jazz des années 20, mais loin d'en être une imitation, il en transcende les frontières pour créer un jazz contemporain, solaire et généreux. La concision du propos, héritée des formats 78 tours, se manifeste dans chaque piste commet un hommage vibrant à l'histoire du jazz. "Taking The Plunge" est une invitation à plonger dans un univers musical riche, audacieux et plein de style.

Jennifer Lopez dévoile sa véritable histoire à travers l'expérience musicale tant attendue, "This is me...now". Prévu pour le 16 février 2024, l'album et le film du même nom, écrits et produits par Lopez et Rogét Chayed, offrent une fusion harmonieuse de r&b, pop contemporaine et rythmes hip-hop. Avec la contribution d'artistes tels qu'Angel Lopez, Jeff "Gitty" Gitelman, HitBoy, Tay Keith et INK, l'album explore les hauts et les bas de la vie, de l'amour et des relations. La voix distinctive de Lopez, associée à des paroles complexes, crée l'opus le plus honnête et personnel de sa carrière à ce jour.

1975, l'album de Malted Milk, aborde de sujets qui concernent notamment le chanteur du groupe mais peint ainsi une société à laquelle beaucoup de gens s'identifient. Des temps présents difficiles, une famille brisée et des enfants à charge. Le protagoniste oscille entre des moments de grande lucidité et d'optimisme et des moments de colère. Des sentiments qui se répercutent sur une vision générale du monde dans lequel nous vivons aujourd'hui, dévasté par les abus des puissants et rendu insensible aux "fausses" libertés qu'ils nous offrent. Se pourrait-il que la condition personnelle du protagoniste de l'album soit aussi le résultat d'une société tordue ? Malted Milk fait un voyage de style qui va des fortes racines soul et funk à des veines musicales résolument plus modernes, le tout assaisonné d'emprunts musicaux allant du disco au folk-world. Malted Milk s'est nouvellement engagé à parler ouvertement de sujets inconfortables et à refléter honnêtement sa passion pour la musique américaine et pop. Le résultat est un album uniforme et authentique, dans lequel le chanteur devient à la fois le champion et le porte-parole du groupe et de l'auditeur.

Le virtuose de la guitare Julian Lage revient avec 'Speak To Me', son remarquable 4e album pour Blue Note Records après son album acclamé 'View With A Room' et son compagnon nominé aux GRAMMY, The Layers. 'Speak To Me' trouve le virtuose de la guitare élargissant sa palette sonore avec l'aide du producteur estimé Joe Henry (Rhiannon Giddens, Bettye LaVette, Meshell Ndegeocello, Allen Toussaint, Elvis Costello) qui améliore le lyrisme mélodique caractéristique de Lage sur cet ensemble varié de nouveaux morceaux convaincants et originaux. En plus du trio de longue date de Lage avec Jorge Roeder à la basse et Dave King à la batterie, l'album présente également les contributions du saxophoniste Levon Henry et du claviériste Patrick Warren.

La chanteuse, compositrice et pianiste Norah Jones, lauréate de neuf GRAMMY, dévoile son neuvième album studio solo Visions, une collaboration avec le producteur et multi-instrumentiste Leon Michels. Visions est un ensemble de 12 chansons vibrantes et joyeuses sur lesquelles Norah Jones chante le sentiment de liberté, l'envie de danser, la volonté de bien faire les choses et l'acceptation de ce que la vie lui apporte. "La raison pour laquelle j'ai appelé l'album Visions est que beaucoup d'idées sont venues au milieu de la nuit ou juste avant de s'endormir. Nous avons composé la plupart des chansons de la même manière : j'étais au piano ou à la guitare, Leon jouait de la batterie et nous faisions des jams. J'aime le côté brut entre Leon et moi, la façon dont ça sonne un peu garage, mais aussi un peu soul, parce que c'est de là qu'il vient, mais aussi parce que ce n'est pas trop perfectionné." explique Norah Jones.

Liam Gallagher & John Squire: parler d'une collaboration au sommet est presque un euphémisme. Déjà liés par une amitié et une admiration mutuelle depuis des années, les retrouvailles sur scène entre le légendaire frontman solo et chanteur d'Oasis et le guitariste des Stone Roses, au mythique Knebworth House devant 170.000 fans en 2022, ravivent l'envie persistante de faire de la musique ensemble. Le résultat, issu d'une session d'enregistrement à Los Angeles avec le producteur Greg Kurstin, réside dans ces 10 titres disponibles dès le 1e mars 2024, dont les épiques premiers extraits 'Just Another Rainbow' et 'Mars To Liverpool'.

Invitation au Paris musical de la Belle Epoque - William Youn joue des oeuvres pour piano de Gabriel Fauré, Reynaldo Hahn et Nadia Boulanger Le premier album orchestral de William Youn pour Sony Classical, en coopération avec Deutschlandradio Berlin, est entièrement consacré au flair exubérant du Paris de la fin du siècle, avec un répertoire rare de Reynaldo Hahn, Nadia Boulanger et Gabriel Fauré - une excursion musicale dans les salons de la Belle Époque pleine de redécouvertes éblouissantes. Pour William Youn, ces oeuvres pour piano et orchestre sont des dialogues et des récits musicaux - des conversations entre le soliste et l'orchestre dans lesquelles les mélodies vagabondent, les voix intérieures se font entendre et les partenaires fusionnent musicalement.

Robert Schumann, Alban Berg, Maurice Ravel, Claude Debussy, Arnold Schoenberg, Georges Brassens - liste non exhaustive - jouent à cache-cache avec Louise Jallu et son bandonéon-chef de bande dans une partie où les allers-retours entre passé et présent vont bon train. Jeu de l'oie version Louise ou procédé jallusien (une oreille dans le rétro, l'autre dans l'inouï) sur le modèle janusien ?

Un billet pour Bayreuth ! On associe souvent le génie de Wagner à son sens unique de l'orchestre. Les présentes transcriptions et paraphrases pour piano seul permettent de se rendre compte de la beauté et de l'audace de son langage harmonique, d'une force d'évocation sans équivalent à l'époque. Se faisant ici narrateur autant que virtuose, Nikolaï Lugansky nous plonge dans cet univers où les héros de légendes disent - et à quelle hauteur ! - les tourments et les aspirations des hommes.

Avec Gangbusters Melody Club, Caravan Palace est parvenu à l'équilibre parfait entre toutes les sonorités qui les inspirent depuis l'origine, de l'art du sampling aux harmonies vocales des Four Freshmen. Oscillant entre mélodies instantanément mémorables (" 81 Special", " City Cook "), morceaux taillés pour les grand-messes scéniques (" Mad " et ses airs de chant de ralliement swinguant, le funky " Reverse ", " Mirrors " et son beat house implacable) et moments d'émotion pure hors du temps (" Avalanches " et " Fool "), le trio livre un bouquet de compositions inspirées, enrichit sa collection de tubes, atteint de nouveaux sommets et signe l'un de ses tous meilleurs albums. Point de départ idéal pour découvrir leur univers, Gangbusters Melody Club est aussi l'aboutissement d'un parcours où se reconnaîtront les fans de la première heure comme des albums suivants. Toujours joyeusement inclassable, la musique de Caravan Palace, attachante et universelle, est à l'image de cette formation dont l'originalité reste la plus grande force.

Katia et Marielle Labèque, le célèbre duo de soeurs pianistes dont la carrière s'étend sur plus de cinquante ans, annoncent leur nouvel album dédié à la musique de Philip Glass, concluant son triptyque opératique basé sur les films de Jean Cocteau. Après leur enregistrement acclamé des Enfants Terribles en 2020, Katia et Marielle présentent les deux oeuvres restantes de la Trilogie Cocteau : Orphée et La Belle et la Bête, arrangées pour elles par Michael Riesman, collaborateur et arrangeur de Philip Glass. Avec la Trilogie Cocteau, Katia et Marielle Labèque poursuivent leur exploration du répertoire du compositeur répétitif américain, dont elles sont des interprètes majeures. La Trilogie Cocteau sera créée au printemps 2024 à la Philharmonie de Paris, puis à l'Opéra National de Bordeaux, à la Cité musicale à Metz, au National Concert Hall à Dublin et au Barbican Centre à Londres.

Avec sa voix puissante et son riche éventail artistique, Ariana Grande a émergé comme l'un des talents les plus magnétiques et prospère de la scène pop américaine. Depuis ses débuts en 2013, la jeune femme a su s'imposer par sa présence vocale tant appréciée et ses collaborations avec Mika, Nicki Minaj ou encore Justin Bieber. 4 ans après l'opus Positions, l'ancienne jurée de The Voice USA signe son grand retour avec "Eternal Sunshine" dans les bacs le 8 mars prochain.

Gary Clark Jr. revient avec un quatrième album studio intitulé 'JPEG RAW', qui marque une étape importante dans son évolution musicale. Sur ce nouveau projet, l'artiste conserve la résonance profonde et authentique de ses bases blues et sa virtuosité à la guitare mais mets également à l'honneur le hip-hop, le jazz tout en fusionnant avec le rock, le R&B et le rap. Un album plus cohérent manifestant la large palette musicale de l'artiste en atteste la participation de George Clinton et Stevie Wonder.

6 ans après la sortie de son 5ème album studio 'Man Of The Woods', Justin Timberlake est de retour avec un nouveau single "Selfish", premier extrait de son album disponible le 15 mars prochain !

Liam Gallagher & John Squire: parler d'une collaboration au sommet est presque un euphémisme. Déjà liés par une amitié et une admiration mutuelle depuis des années, les retrouvailles sur scène entre le légendaire frontman solo et chanteur d'Oasis et le guitariste des Stone Roses, au mythique Knebworth House devant 170.000 fans en 2022, ravivent l'envie persistante de faire de la musique ensemble. Le résultat, issu d'une session d'enregistrement à Los Angeles avec le producteur Greg Kurstin, réside dans ces 10 titres disponibles dès le 1e mars 2024, dont les épiques premiers extraits 'Just Another Rainbow' et 'Mars To Liverpool'.

Tom Jenkinson aka Squarepusher est de retour avec ce 17eme album studio. Un disque qui met en lumière son art du rythme distordu, qui est sa marque de fabrique depuis le milieu des 90's.

Sahra Halgan est une artiste iconique du Somaliland, pays de la corne d'Afrique indépendant depuis 1991, mais non reconnu par la communauté internationale. C'est pendant les années 80, engagée dans la terrible guerre contre la dictature, qu'elle reçoit le surnom de "Halgan", la combattante, et que ses chansons gagnent à jamais le coeur de tout un peuple. Exilée en France, c'est à Lyon qu'elle fonde son groupe avec Aymeric Krol, Maël Salètes et Régis Monte. Son troisième album est le fruit d'une recherche sincère d'authenticité et d'innovation, d'une alliance inédite entre chanson somalienne et rock des origines, enrichissant ainsi de son inspiration les paysages les plus inattendus de la sono mondiale. Il s'appelle Hiddo Dhawr ("Préserve la culture"), également le nom du centre culturel que Sahra a fondé en 2013 à Hargeisa.

Impossible de ranger Orange Blossom dans une boîte quand bien même elle contiendrait le monde, car Orange Blossom va bien plus loin que de " la musique du monde ". Electro alors ? Idem. Orange Blossom est la vision de Carlos Robles Arenas, un compositeur mexicain basé à Nantes qui a été piocher dans la tradition turque, égyptienne, malienne, sénégalaise et cubaine, avec des voix chantées en arabe, persan et portugais pour offrir au monde un quatrième album de musique actuelle, limpide et mystérieux à la fois. Attirants comme un chant de sirène, ces treize nouveaux morceaux depuis dix ans nous baladent entre un dance floor déchainé et une salle de méditation sans aucune contradiction. Si la beauté avait une bande son, il y aurait des morceaux d'Orange Blossom dedans.

Réalisé par Alain Pailler et Tony Baldwin, ce coffret 4 CD a bénéficié d'une restauration particulièrement méticuleuse qui permet d'apprécier le Duke Ellington Orchestra en son âge d'or comme si vous y étiez. Ces sessions légendaires des années 1940-1942 incluent les plus grands classiques ellingtoniens, arrangés de main de maître par le Duke comme par son bras droit Billy Strayhorn : de Ko-Ko à Take The 'A' Train, Perdido ou Harlem Air-Shaft. En outre, on y retrouve, à leur meilleur, certains des monstres sacrés de la Swing Era : Cootie Williams ou Ray Nance (trompette), Rex Stewart (cornet), Joe Nanton et Lawrence Brown (trombone) ou bien encore Barney Bigard (clarinette), Johnny Hodges, Ben Webster et Harry Carney (saxophones) ainsi que le jeune contrebassiste prodige Jimmy Blanton.

The Road Back Home a été enregistré au cours de l'été 2023, alors Loreena McKennitt participait à quatre festivals dans le sud de l'Ontario. C'est un retour aux sources, aux premières chansons, aux musiciens locaux, aux salves d'énergie et à la spontanéité de ces spectacles qui ont inspiré ce nouvel album. L'album comprend 10 chansons, dont de nombreux morceaux qui remontent aux débuts de Loreena McKennitt et qui n'ont pas été enregistrés jusqu'à présent.

Après L'IMPERMANENCE Alain Chamfort n'enregistrera plus d'album. Et c'est lui qui en a décidé ainsi. Point d'orgue à une carrière discographique démarrée il y a un peu plus de 50 ans, "L'impermanence" ressemble à une oeuvre majeure. Profonde. Poignante. Quasi crépusculaire. A l'instar des rares à l'avoir précédé sur ce vertigineux terrain (Léonard Cohen, David Bowie et Jacques Brel), Chamfort choisit ici de confronter sa création à notre inéluctable condition : cette "impermanence en permanence", cette "violence en permanence".

We belong marque le premier album de l'américano-soudanais Sinkane depuis 5 ans. C'est une "lettre d'amour de Sinkane à la musique noire". Toujours à la croisée des chemins, son métissage fascinant entre gospel, l'afrobeat, funk des années 70, soul, et les rythmes de son pays natal, le Soudan, 'We belong' raconte une histoire sur la musique noire et les noirs avec ses refrains en forme d'hymne fédérateur. Ahmed Gallab n'a jamais été aussi inspiré et brillant que sur cet album co-produit par Money Mark (Beastie Boys) avec notamment les participations de la chanteuse Hollie Cook et le légendaire artiste Nu Soul Bilal.

Nouvelle étoile vocale du Sénégal, le chanteur Lass, salué par la critique (France Inter, Le Monde, Télérama, Radio Nova) pour son premier album " Bumayé " est de retour avec " Passeport ", un second album magnifique. Touchant au coeur avec sa voix d'or si particulière, Lass nous emporte aussi avec ses grooves imparables, alliage réussi entre traditions ouest africaines et production moderne soignée. Produit par Jordan Kouby (Imany, Keziah Jones ou encore Faada Freddy), l'album mêle avec perfection beats afro pop/ afro indie et mélodies psychés mélancoliques. Avec des invités de choix comme le chanteur antillais David Walters, le pianiste cubain Roberto Fonseca ou encore les cuivres déchaînés de Cotonete, cet album invite au voyage, à la fête et à la danse. On ne s'en lasse jamais.

"Las mujeres ya no lloran", le tant attendu nouvel album de Shakira est prévu pour le 22 mars prochain. Ce nouvel opus de la super star colombienne contiendra 16 titres dont certains sont déjà sortis et ont déjà battus de nombreux records (plus de 3,7 milliards d'écoutes combinées) : "Music sessions vol. 53" avec Bizarrap, "TQG" avec Karol G, "Te felicito" avec Rauw Alejandro, "Copa vacia" avec Manuel Turizo, etc. Au fil des années, Shakira continue de consolider son statut légendaire grâce à ses innombrables succès et cela continuera, sans aucun doute, avec ce nouvel album dans lequel sa vulnérabilité, sa confiance et sa passion mettent en évidence ses défis personnels et ses triomphes.

La fascinante et exubérante argentine, La Yegros, probablement l'artiste la plus magnétique du continent sud américain, revient avec un nouvel album "HAZ". Couronnée reine de la nu-cumbia, La Yegros ne s'est pas endormie sur ses lauriers. Entourée par les mêmes complices qui l'épaulent depuis une dizaine d'années, mais désireuse de se renouveler, elle s'est attelée à l'enregistrement de son quatrième album, qui tranche dans sa discographie. Quoique son folklore personnel est toujours enraciné dans les expressions populaires sud-américaines, La Yegros absorbe désormais les musiques contemporaines mondialisées, tout en abordant des sujets intimes, souvent mélancoliques voire douloureux, qu'elle surmonte avec le même ressort qui l'anime en concert. Rien n'entrave la tornade argentine, d'autant plus passionnante que des considérations personnelles affleurent aujourd'hui sous le vernis des ambiances festives auxquelles elle met le feu. L'album est ouvert à tous les vents. On y entend une guitare funk autant que des flûtes andines, la mélancolie de l'accordéon et le roulement des tambours, un blues touareg rehaussé de cuivres, des boucles house ou électro-cumbia, les bassons d'une orchestration chambriste. Le folklore 2.0 de La Yegros, nourri de son inspiration bigarrée, tantôt tendre ou exalté, a été imaginé comme un hymne à l'amour et aux sentiments contradictoires qui s'y manifestent. Comme toujours, il a aussi été conçu avec la scène en ligne de mire. Éclos dans une tempête d'émotions chavirées, l'album constitue une mixture d'autant plus explosive que le live qui l'accompagne a été musclé. En plus de la formation habituelle avec guitare, accordéon et percussions, un musicien maniera synthétiseurs et machines pour booster le turbomoteur électronique. On peut, de toute façon, compter sur la chanteuse pour affirmer un caractère de plus en plus tranché au fil des projets. Et pour ne surtout rien lâcher. La Yegros est de retour et ses batteries sont gonflées à bloc!

 

Style emblématique et dynamisme surprenant, MC Solaar est bien de retour. Avec 5 victoires de la musique et plus de 5 millions d'albums vendus au cours de sa carrière, la légende MC Solaar est de retour, 6 ans après son dernier album. Pionnier du rap dès les années 90, l'homme que l'on nomme parfois Claude MC est de retour avec un nouveau concept-album. Première prise de parole d'une année qui s'annonce très riche avec un nouveau projet surprenant et plus de 70 dates de concerts. Ce premier album d'une série de trois, allie parfaitement son style emblématique à un dynamisme surprenant, qui prouve une fois de plus pourquoi MC Solaar demeure une figure incontournable et intemporelle.

Dialogue inédit entre l'une des autrices les plus talentueuses de la chanson réunionnaise contemporaine et un producteur phare des sons populaires 974. Dans sa nouvelle aventure qui s'annonce bagarreuse, Maya Kamaty fait équipe avec l'un des grands architectes du son très actuel qui s'épanouit depuis plusieurs années dans les rues de La Réunion, le producteur, compositeur et chanteur Sskyron. Nourrie par l'envie d'en découdre avec l'époque en répondant à sa violence par une insolence turbulente et tapageuse, elle trouve un exutoire idéal dans ce rapprochement passionnant avec les grooves saccadés de la nouvelle street- créolité. L'heure n'est plus aux bonnes manières, et voilà donc Kamaty qui déboule dans le ring populaire et nerveux des musiques urbaines.

 

Pour ce premier album, la chanteuse Syna Awel nous entraine dans son univers, fait de contes et de rencontres, puisés au fond de la Kabylie, son pays d'origine. Des histoires qu'elle met en mots et en musique. Karim Ziad, batteur, percussionniste a arrangé ce projet pour un groupe dans lequel on retrouve autour de Syna et de luimême, David Aubaile au piano et aux flûtes et Pierre Bonnet à la basse. Chantés principalement en langue berbère mais aussi en français, ces dix chansons nous font voyager dans des ambiances orientales, les bendirs, Krakeb et derboukas y sont pour beaucoup. Mais le piano instille aussi des harmonies jazz ou même pop. En prêtant l'oreille, on entendra aussi quelques influences occitanes. La musique n'aime pas les frontières. Dans ce bel écrin de sons, façonnés par des musiciens inspirés, la voix de Syna Awel peut développer son aisance, sa puissance dans toutes ses nuances.

Emel Mathlouthi, artiste engagée et globe-trotteuse, lance son nouvel album "MRA" le 19 avril 2024. Cet album, construit sur quatre ans, est une lettre d'amour à la sororité, à la diversité et à l'égalité. Emel, connue pour ses titres folk et son album "The Tunis Diaries", explore cette fois le hip-hop avec des collaborations exclusivement féminines. "MRA" est une réflexion musicale sur des sonorités urbaines et électroniques, représentant un appel à l'émancipation féminine. Le titre "MRA" signifie "femme" en dialecte tunisien, exprimant ainsi différents combats. Chaque chanson est une histoire vraie, témoignant des luttes quotidiennes des femmes avec tendresse et détermination. Emel célèbre la diversité et l'inclusion à travers cet album, qui explore également des sujets personnels et universels, tirant son inspiration de femmes remarquables telles qu'Amalia Rodriguez, Barbara et MIA.

Thomas de Pourquery est un showman extravagant à l'aura tapageuse. Celui qui aime se définir comme une diva au masculin sort LET THE MONSTER FALL, un disque de chansons électro-pop à son image : charismatiques, solaires et tonitruantes. Accompagné de YODELICE (qui réalise le disque) et de certains de ses camarades de toujours, l'artiste s'inspire de ses idoles - THE FLAMING LIPS, FUTURE ISLANDS et BON IVER - et dévoile des textes très intimes parfois écrits à l'adolescence. "J'ai toujours su que je serai chanteur", déclame-t-il. Car celui qui a rendu hommage à SUN RA avec son groupe déjanté SUPERSONIC est connu dans un monde bien différent de celui de la pop : le jazz. Virtuose du saxophone, qu'il a appris en autodidacte, il compte déjà plus de vingt années de carrière dans la musique et a même été élu meilleur musicien français aux VICTOIRES DU JAZZ en 2022. Thomas de Pourquery l'avoue pourtant : il s'est longtemps caché derrière son instrument. Avant cet album, il a cumulé les expériences, a monté des tonnes de groupes (jazz, pop, rock...) et de projets farfelus (comme une fanfare de punk) dont il était à chaque fois le leader et joué des rôles mémorables dans des films d'auteur français. Il a aussi prêté son talent à des stars de la pop comme METRONOMY et CLARA LUCIANI... jusqu'à enfin en devenir une à son tour.

Le Carnaval du Parnasse, ce nouveau ballet héroïque de Mondonville, par un éblouissant triomphe à sa création en 1749 parvint à en éclipser le Zoroastre de Rameau créé la même année. Dédié à la Marquise de Pompadour, égérie des Arts et favorite omnipotente du Roi, ce carnaval fantasque n'est qu'un délicieux marivaudage : sur le Mont Parnasse, Apollon et ses Muses s'adonnent aux fêtes des sens et divertissements du coeur... Mondonville déploie partout ici une virtuosité prodigieuse, dépeint des couleurs orchestrales inouïes et imagine des danses débridées et de vastes choeurs d'apparat comparables à ceux de ses grands motets. C'est ainsi une redécouverte exceptionnelle qu'Alexis Kossenko, et son ensemble Les Ambassadeurs . La Grande Écurie s'adjoignant l'éminente force vocale du Choeur de Chambre de Namur, restitue avec maestria pour cette véritable réincarnation des fastes de la Cour de Louis XV, alors à son apogée.

Le quintet propose une véritable fusion entre la Chicha péruvienne des 60', le Rock progressif des 70', les musiques afro-péruviennes comme le Lando et le Festejo et les belles mélodies andines. Mêlant parfois du Merengue dominicain à des rythmes amazoniques, faisant flirter la Saya avec la Salsa, en y ajoutant toujours une touche de Rock et de Cumbia, le cocktail est explosif, baroque et surprenant. Chicharron s'inscrit dans la continuité d'un mouvement de revalorisation de la Chicha et de la Cumbia initié au début des années 2000 par des groupes comme Chicha Libre, Chico Trujillo ou encore Juana Fé, s'inspirant de leurs expérimentations sonores autour des folklores andins, afro-descendants et amazoniens. Les sonorités sont modernes et s'appuient sur les timbres puissants de la batterie, de la guitare électrique et du Fender Rhodes basse. Sur cette base solide viennent se greffer les textures vintage des orgues analogiques, la danse des percussions latines et la profondeur des instruments traditionnels (cajón, charango, zampoña, kenas, quijada, etc). Pour couronner le tout, les choeurs enjoués des musiciens soutiennent avec force les voix passionnées et singulières des deux chanteurs principaux, Hiram Muñoz et Antonin Cognet.

Après le succès commercial et critique de l'album "Hymne au soleil" (avec deux titres affichant plusieurs millions de streams) Laurent Bardainne et Tigre d'Eau Douce défient les lois de l'attraction, visant au-delà du soleil avec pour cap, l'Eden, dans leur troisième album "EDEN BEACH CLUB". Retour de leur formule débridée à succès entre groove lancinant, soul luxuriante, jazz flamboyant et volutes électroniques. Géographique ou musicale, plus aucune carte ne permet de localiser ce lieu d'éclectisme, chaque piste menant à une invitation à danser et à célébrer un moment. Celui d'un coucher de soleil éternel, zébré d'électricité par Laurent Bardainne et Tigre d'Eau Douce. Difficile de savoir combien de temps dure le voyage. Des heures, des jours, peut-être plus. Une chose est sûre, ici en est le terminus. L'escale finale où tout le monde s'échoue un jour ou l'autre. Comme une éternité à parcourir des immensités d'eau salée et puis, soudain, ce signe de vie au loin. La flore abondante habille un arrière-plan duquel se détache dans un contraste saisissant une étendue blanche. On la jurerait éclairée par des rampes de spots, seul le soleil lui donne ses couleurs. Ni atmosphère céleste, ni décors de nuages ouatés. Tout n'est finalement que plage, le sable fin qui la délimite provient peut-être de tous les sabliers qui sont venus s'y briser, mais cela n'a aucune importance. Le panneau EDEN BEACH CLUB qui barre le fronton de la petite construction de rondins et de planches installée là le confirme, ce lieu uniquement rendu accessible par la mer est bien un paradis. Géographique ou musicale, plus aucune carte ne permet de localiser le lieu. La seule disponible est celle qui détaille les titres de cette playlist infinie et rêvée, proposée par Laurent Bardainne et Tigre d'Eau Douce.

La loi du papillon, c'est le symbole de l'éclosion de Nuit Incolore comme le nouveau talent incontournable de la pop française. Après Dépassé, son tube déjà single de platine et un EP comptabilisant plus de 60 millions de streams, Nuit Incolore nous délivre avec son premier album La loi du papillon tous les ingrédients d'une future référence : refrains entêtants, envolées épiques, titres à l'émotion bouleversante et featurings de premier plan.

Après les succès singles de 'Call on me' (en duo avec Ed Sheeran), 'Keep it simple' (en duo avec Mika), 'Le feu' (en duo avec Kendji Girac) et 'Comment on fait' (en duo avec Zazie), ce plaisir de la création musicale entre artistes qui s'apprécient a tissé son chemin et Vianney sort un nouvel album de 19 titres pour compléter cette collaboration avec 17 artistes différents (Renaud, Big Flo & Oli, Mentissa, Soprano...). Co-écrits et composés ensemble, à 2 à 3 est un album caméléon qui reflète les goûts éclectiques de Vianney et son amour pour la grande variété pop ainsi que les artistes qui l'incarnent.

Eddy de Pretto signe son grand retour ! Deux ans après son dernier album "À TOUS LES BÂTARDS", certifié disque d'or, le chanteur revient avec "CRASH COEUR", nouvel album à paraître le 17 novembre. Auteur, compositeur et interprète, l'artiste a toujours eu une vision claire de ses envies, du studio à la scène en passant par l'image. Avec ce nouvel opus, il explore le moindre de ses désirs, des sonorités R'n'B à des textes à la fois crus et écorchés. En résultent 12 titres ambitieux et percutants, dont l'héritage musical résonnera chez celles et ceux qui ont grandi à l'aube des années 2000. Fier de ses nombreuses casquettes (il est également metteur en scène, directeur artistique et producteur), il prouve qu'il est bien plus qu'un chanteur de variété, mais un artiste pop aux multiples facettes.

Lavilliers et les grands orchestres se sont régulièrement fréquentés. On se souvient de son hommage à Léo Ferré au Théâtre du Chatelet en 2006 avec l'orchestre symphonique Pasdeloup... Il y a tout juste un an, il donnait un concert unique à la Maison de la Radio avec l'orchestre de Radio France. L'expérience a donné envie au chanteur de reprendre le fil de cette soirée en enregistrant une partie de son répertoire avec un grand orchestre classique. Après " Sous un soleil énorme ", conçu en pleine pandémie et à distance de ses musiciens, le chanteur a eu envie de renouer avec l'esprit des enregistrements " à l'ancienne ", se retrouvant au beau milieu de ses musiciens pour l'enregistrement de tout un album. Cela sans nostalgie, plutôt avec l'esprit de passeur qui le caractérise, comme s'il nous racontait aussi un peu l'histoire de la musique enregistrée à travers ce geste. Accompagné par le compositeur et arrangeur Cyrille Aufort, un orchestre symphonique de plus de cinquante musiciens, et de quatre compagnons de route (Xavier Tribolet aux claviers et arrangeur de 3 chansons, Antoine Reininger à la basse, Michaël Lapie à la batterie et Vincent Faucher à la guitare), Bernard Lavilliers nous invite à assister à la métamorphose de 13 de ses grandes chansons et nous dévoile un inédit...

ILION de SLIFT est une oeuvre de musique rock gigantesque, un disque qui démarre au plus haut et ne se relâche jamais. Si cela vous semble démesuré, sachez qu'avec le trio toulousain on est entre de bonnes mains. Leur troisième album est massif et océanique, fusionnant l'intensité furieuse du métal et les guitares héroïques du psych rock avec le sens épique du post-rock. ILION est le genre de musique que l'on écoute en se disant : "C'est le fruit du travail de trois personnes seulement ?" C'est bien le cas, et la férocité totale de SLIFT est bien plus qu'une tempête dans une tasse de thé. Elle s'étend sur des kilomètres et crée de nouveaux zéniths dans les horizons imprévus du rock. SLIFT est composé des frères Jean et Remí Fossat, et de Canek Flores, qui a rencontré les frères Fossat à l'école. Le groupe s'est formé en 2016 et a rapidement produit son premier EP en 2017, Space Is the Key, qui fusionnait la lourdeur du stoner rock avec les qualités de sucre du rock garage. À partir de là, les choses sont devenues encore plus étranges : Le trio a expérimenté des tempos plus rapides et des bongos (!) sur l'album La Planète Inexplorée de l'année suivante, et en 2019, leur session KEXP enregistrée au festival des Trans Musicales de Rennes est devenue une sensation virale, accumulant plus de 1,4 million de vues sur YouTube. UMMON, sorti en 2020, représente le pivot de SLIFT vers les confins célestement écrasants du psych-metal, marqué par les lignes de basse roulantes de Remí et les coups de poing implacables de Flores. Mais rien dans leur catalogue ne pouvait vous préparer à ILION, un disque énorme et mélodiquement dense qui rappelle à la fois Godspeed! You Black Emperor, la brûlure passionnée des légendes du post-hardcore ...And You Will Know Us By the Trail of Dead, le mysticisme psychotique du blues-rock de Led Zep et le tourbillon psychédélique des grands Suédois de Goat. Du lourd, certes, mais n'ayez crainte, car vous n'avez pas besoin d'un dé à 12 faces et d'une copie de l'Odyssée pour comprendre ce que SLIFT propose sur ILION. Tout ce dont vous avez besoin, c'est de deux oreilles, d'un esprit ouvert et de la volonté d'être vraiment époustouflé.

A travers 10 reprises, "Elles" rend hommage aux voix de femmes et en particulier à quelques-unes des chanteuses qui ont marqué l'itinéraire de Youn Sun Nah, de Nina Simone à Roberta Flack en passant par Björk ou Edith Piaf. Pour la première fois en duo, avec la complicité du pianiste-claviériste américain Jon Cowherd (Brian Blade Fellowship), la chanteuse coréenne a imaginé ce florilège de chansons par-delà les époques et les frontières musicales. Un nouvel album au visage intimiste mais au fil duquel Youn Sun Nah reste fidèle à elle-même, à sa voix et aux sillons invariablement ouverts de sa musique.

Gruff Rhys (Super Furry Animals) continue sa carrière plurielle et fructueuse avec 'Sadness Sets Me Free', un nouvel album (déjà son 25ème ) via Rough Trade. Enregistrés en pleine tournée aux studios La Frette près de Paris avec Maxime Kosinetz, les 10 titres qui composent ce nouvel opus ont été inspirés aussi bien par les dates de Gruff Rhys et son groupe à travers l'Europe que par le cadre unique des studios (un manoir du XIXe siècle) et les anecdotes croustillantes du propriétaire Olivier Bloch-Lainé, collaborateur de Brigitte Fontaine, Serge Gainsbourg et Jean-Claude Vannier dans les années 1960. 'Sadness Sets Me Free' débute comme un album de country rock mais sort rapidement des sentiers battus, explorant les pensées et idées d'un Gruff Rhys cherchant à trouver du sens à la solitude, dégageant une mélancolie cosmique souvent euphorique. L'album comporte les participations de Kate Stables (voix), du BBC National Orchestra of Wales, de Rhodri Brooks (pedal steel), Osian Gwynedd (piano), Huw V Williams (double basse) et Kliph Scurlock (batterie).

The Libertines, groupe culte du punk rock britannique des années 2000 composé de Pete Doherty, Carl Barât, John Hassall & Gary Powell, reviennent après 8 ans d'absence avec l'album 'All Quiet On The Eastern Esplanade'. Ce nouvel album, annonce le retour du groupe pour le printemps 2024. De retour avec un album composé en Jamaïque à l'hiver 2023, accompagnés du producteur Dimitri Tikovoï (The Horrors, Charli XCX, Backy Hill) et masterisé par Dan Grech (Lana Del Rey, Liam Gallagher, Paul McCartney). Selon Carl Barât c'est l'histoire entière de The Libertines qui a menée à la création de cet album : " Notre premier album est né de la panique et de l'incrédulité quant au fait d'être en studio ; le deuxième est né d'un conflit et de la misère ; le troisième est né de la complexité, celui-ci donne l'impression que nous étions tous au même endroit, à la même vitesse, et que nous nous sommes vraiment connectés. ".

La pop de Mika prend pour la 1ere fois un gout 100% francophone. Dans cet album aussi joyeux qu'intime, aussi touchant que dansant, Mika ouvre une porte sur ses souvenirs et ses émotions, sans perdre sa force pop si universelle. Il réussit le tour de force de faire vibrer la langue française sur ses envolées et ses mélodies incomparables. On y découvre le Mika qu'on aime. Les tubes s'enchaînent (C'est la vie, Jane Birkin, Apocalypse Calypso...) tout en laissant l'émotion et les frissons nous rattraper parfois (30 secondes, Passager, Moi Andy et Paris...). Mika a consacré plusieurs mois à l'écriture et à la production de cet album en prenant le temps de rencontrer et collaborer avec la jeune scène française. Un exercice libérateur qui donne un résultat exceptionnel. "Que ta tête fleurisse toujours" est un appel à la créativité et celle de Mika est plus que jamais florissante.

Plus de 20 ans après la sortie de Up en 2002, Peter Gabriel revient avec un nouvel album : i/o. Cet album reflète la beauté et l'aptitude de l'artiste à écrire des chansons qui vous arrêtent, avec cette voix palpitante et délicieusement intacte. Le passage du temps, la mortalité et le deuil, l'injustice, la surveillance et les racines du terrorisme font partie des thèmes abordés dans ce nouvel album. Mais il ne s'agit pas d'un disque solennel. i/o est musicalement aventureux, souvent joyeux et finalement plein d'espoir. Les 12 titres de l'album sont disponibles dans deux versions différentes : le Bright-Side Mix réalisé par Mark 'Spike' Stent, et le Dark-Side Mix réalisé par Tchad Blake, deux mixeurs de renommée internationale.

IDLES est de retour, pour un cinquième album studio ! TANGK est le cinquième album, juste et vibrant, des chercheurs de vérité en folie IDLES. Prononcé "tank" avec une pointe de "g" - une référence onomatopéique à la façon dont le groupe imaginait le son de ses guitares, devenue depuis un sigle de la vie amoureuse - l'album est l'oeuvre la plus ambitieuse et la plus frappante du groupe à ce jour. Alors qu'IDLES s'était fixé pour objectif de faire chier le monde, de s'opposer férocement aux éternels ayants droit, ils sont arrivés pour offrir les fruits d'une telle persévérance : l'amour, la joie et la gratitude de vivre. TANGK, coproduit par Nigel Godrich, Kenny Beats et Mark Bowen, le guitariste d'IDLES, rayonne d'un sens radical du défi et de l'autonomisation. Malgré sa réputation d'incendiaire post-punk, le leader Joe Talbot chante avec passion ces dix chansons, offrant chaque voeu lascif ou plaidoyer de solidarité comme une véritable chanson pop, c'est-à-dire une chose que tout le monde peut faire circuler et partager, des hymnes communautaires destinés à surmonter nos griefs. TANGK est un album d'amour, ouvert à tous ceux qui ont besoin de crier quelque chose à haute voix pour repousser le sentiment de vide qui les envahit, maintenant ou pour toujours.

Green Day présente son nouvel album "Saviors", comprenant le single " The american is killling me", sorti le 24 octobre dernier. Suite à l'album "Father of all...", le trio incontournable renoue avec Rob Cavallo ("Dookie, "American Idiot") à la production et offre une ode au punk et au rock n roll. Le groupe fêtera également les 20 ans du cultissime "American idiot" en 2024, vendu à plus de 8 millions d'exemplaires.

The Last Dinner Party dévoilent leur tout premier album 'Prelude of Ecstasy'. Après avoir fait sensation sur les scènes du monde entier en première partie d'artistes majeurs tels que Florence + The Machine, The Rolling Stones, Lana Del Rey ou encore Nick Cave, le groupe ne cesse de conquérir le public international. Composé d'Abigail Morris, Georgia Davies, Lizzie Mayland, Aurora Nishevci et Emily Roberts, The Last Dinner Party est le nouveau groupe anglais à suivre. Présentant un univers mêlant des références mystiques et baroques, elles redéfinissent l'alt-pop britannique avec une proposition musicale et une esthétique singulière.

Pour célébrer comme il se doit sa prestigieuse nomination au Rock & Roll Hall Of Fame, Sheryl Crow sort un tout nouvel album studio. Cet opus de 9 titres, a été enregistré et produit avec le légendaire Mike Elizondo, plusieurs fois nominé aux Grammy Awards et connu pour ses productions avec Dr. Dre, Eminem, Mary J Blidge, Fiona Apple, Pink, Maroon 5 ou encore Nelly Furtado. L'album 'Evolution' inclut le single " Alarm Clock ".

The Smile, le supergroupe formé par Thom Yorke et Jonny Greenwood de Radiohead avec le batteur de Sons of Kemet Tom Skinner, sort un second album 'Wall of Eyes' chez XL recordings. Le nouvel opus est une brillante et aérienne collection de 8 titres explorant les frontières du shoegaze et de l'indie rock, accompagnés d'un orchestre à cordes et portés par la voix inimitable du leader de Radiohead.

Delgres est de retour avec "Promis le ciel", un nouvel album solaire et tempétueux qui fait face à la spiritualité vaine des promesses non tenues. Après "Mo Jodi" et "4 :00 am" qui consacraient les mémoires et les luttes passées, "Promis le ciel" se déroule ici et maintenant ! Si les promesses déçues, les espoirs contrariés, et les réveils douloureux sont légion, Delgres renverse la vision des choses, selon la tradition chère au blues. L'optimisme en toute chose, comme une urgence qui résonne au creux des cuivres, des guitares et des percussions telluriques du groupe aux influences créoles. Une immédiateté, un besoin d'intensité, une rage de vie... Un gospel laïc et puissant. Entre la chaleur des braises et la fraîcheur d'un ciel sans nuages, Delgres nous invite à continuer notre voyage, plus humain que jamais.

Après un hiatus de plus de dix ans, le groupe emblématique Gossip sortira son nouvel album 'Real power' le 22 mars via Columbia Records. Avec Real power, Beth Ditto, Nathan Howdeshell et Hannah Blilie sont de nouveau réunis et retrouvent le super producteur Rick Rubin, qui a dirigé leur opus Music for men en 2009. Le résultat est un retour en force qui célèbre le pouvoir galvanisant de la musique, la joie de l'expression créative et le pouvoir d'une famille choisie après une épreuve collective et personnelle. Gossip a vendu plus de 10 millions de disques. Ils ont reçu plusieurs prix platine dans le monde entier. Ils ont participé à d'innombrables émissions télévisées prestigieuses et ont joué à guichets fermés dans certaines des salles les plus légendaires du monde. La chanteuse Beth Ditto est une icône des questions LGBTQIA+, du féminisme et de la mode.

A l'occasion de l'année du centenaire Gabriel Fauré en 2024, le pianiste virtuose Lucas Debargue dévoile une intégrale évènementielle pour piano de Fauré. Ce coffret 4 albums et 68 titres est une nouveauté en tous points remarquable puisqu'il couvre l'ensemble de l'oeuvre pianistique de Gabriel Fauré écrite en 60 ans, que l'album a été enregistré sur un piano spécial de 102 touches jamais entendu en récital, donnant à tout le répertoire de cet enregistrement un son unique et qu'il inclue un livret 88 pages avec des liner notes détaillées sur les différentes oeuvres, leur signification et la vie du compositeur par Lucas Debargue. Un incontournable pour tout amoureux de musique classique !

Après deux singles de diamant et cinq distinctions aux Flammes (dont celles des Albums de l'année), Gazo et Tiakola sortent l'album commun La melo est gangx. Produit entre Paris et Londres, le projet est l'aboutissement de six ans de collaboration et repousse les limites des styles musicaux des deux rappeurs. Un album de douze titres en forme de blockbuster, sans featuring - avec un solo chacun, et des prods signées Tarik Azzouz, Skread, Kore, SHK, ou encore Flem.

Le retour de Lescop avec ce troisième album ressemble à la réinvention imparable d'une new wave à la française. Cet enfant naturel du rock et du punk a retrouvé le sens d'une rébellion intime après avoir traversé quelques orages intérieurs d'une rare intensité. Comme si de fait il reconnectait aujourd'hui avec l'essence même de la candeur (sombre et joyeuse à la fois) de son premier tube " La forêt " (+15M de streams)... Où il autorisait ainsi toute une génération avide de sens et de sons nouveaux à danser sur les charbons ardents d'une hybridation qui fait l'identité de la pop française d'aujourd'hui. En tandem avec le réalisateur Thibault Frisoni, Lescop a construit son édifice pop de 13 chansons lumineuses autour du thème de la mutation, de l'amour et de la renaissance. Où l'on croise pèle mêle, les voix incandescentes et sans concession de Izïa, Halo Maud ou Laura Cahen. Où soudain la puissance d'Ash Workman (Metronomy, Christine and the Queens...) au mixage offre une lumière naturelle au disque où Brighton devient une destination baléarique... Tandis que l'empreinte poétique de Pasolini voisine avec celles de Bob Dylan, Etienne Daho, ou Daniel Darc, trilogie majestueuse d'inspiration qui atteste d'un retour à l'essence même de la pop. Lescop a intitulé son troisième album " Rêve parti ". En 13 chansons au magnétisme obsédant, il réussit à nous convaincre qu'il est encore possible de réinventer le rêve dans toute sa force utopique. L'album sera disponible le 2.02.2024 en partenariat avec MK2 et les Inrocks.

Marquant les 40 ans de The Jesus And Mary Chain, 'Glasgow eyes' a été enregistré au studio Castle of Doom de Mogwai à Glasgow, où les frères Jim et William ont poursuivi le processus créatif qui a abouti à leur précédent album, 'Damage and joy' de 2017, qui est devenu leur album le mieux classé de ces vingt dernières années. Ce qui émerge cette fois-ci, c'est le disque de l'un des groupes les plus influents du Royaume-Uni embrassant son deuxième chapitre toujours aussi productif, leur maelström de mélodie douce et brûlantes et de chaos contrôlé influencé par leur amour pour Suicide et Kraftwerk, ainsi qu'une passion nouvelle pour le côté spontané du jazz. Jim Reid déclare : "Mais ne pensez pas que 'The Mary Chain se soit mis au jazz'. Les gens devraient s'attendre à un disque de Jesus and Mary Chain, et c'est certainement ce qu'est 'Glasgow eyes'. Notre approche créative est remarquablement la même qu'en 1984 : entrer en studio et voir ce qui se passe. Nous sommes allés en studio avec quelques chansons et nous avons laissé les choses suivre leur cours. Il n'y a pas de règles, on fait ce qu'il faut. Et il y a une certaine télépathie entre nous - nous sommes ces jumeaux bizarres qui finissent les phrases l'un de l'autre". "Glasgow eyes" ne fait pas que prolonger l'histoire de The Jesus and Mary Chain, il s'apparente aussi à un retour aux sources. Depuis le premier album incendiaire "Psychocandy" et son classique "Just like honey", les frères Reid sont devenus des marginaux qui ont réussi à s'imposer sans compromis.

Irène Drésel est devenue, en 2023, la première femme de l'histoire à recevoir le César de la Meilleure Musique Originale. Elle crée une musique techno haute en couleur aussi sensuelle que frontale, inspirée d'un univers riche, magnétique, sonore et visuel. Après deux EP consécutifs, " Rita " (2017) et " Icône " (2018), son premier album " Hyper Cristal " a vu le jour au Printemps 2019. Il est suivi d'un deuxième album " Kinky Dogma " en 2021, que Libération qualifie "d'œuvre techno aboutie, ambitieuse mais pas prétentieuse, puisque ne perdant jamais l'objectif de son autrice : provoquer une irrésistible allégresse chez l'auditeur". Des projets qu'elle a défendus lors de nombreux concerts dont un Trianon Sold Out, une Cigale Sold Out en 24h et des festivals de grande envergure (dont Printemps de Bourges, Fnac Live, Les Vieilles Charrues ou Arte Concert). Après plus de 5000 ventes cumulées sur ces précédents opus, ce 3ème album " Rose Fluo ", sera célébré à l'Olympia en mai 2024.

Le Maître du concerto ! A la manière d'un cahier d'esquisses, le concerto fonde l'acte créateur chez Vivaldi. Ce recueil élaboré par Théotime Langlois de Swarte propose un large aperçu d'une forme où s'épanouit l'idée musicale dans sa forme la plus directe, des premiers succès du prêtre Roux jusqu'à ses ultimes pages. Un livre ouvert sur sa vie et un panorama musical d'une invention sans limites.

Après une entrée magistrale en littérature avec la parution de deux romans et plus d'un million de lecteurs, Olivia Ruiz annonce son 6e album " La Réplique " pour le 1er mars 2024. Un retour en musique plus qu'attendu pour une artiste majeure de sa génération avec un disque à son image : hors des sentiers battus, engagé, flamboyant, libre. Album écrit et co-composé par Olivia Ruiz entourée de Nino Vella (Yseult, Eddy de Pretto...), Vincha (Louane, Ben Mazué...), Jonathan Quarmby (Benjamin Clementine, Lewis Capaldi...), Kaonefy (Médine, Lord Esperanza...). " La Réplique " mêle le français et l'espagnol avec des sonorités résolument modernes entre élégance de la grande chanson, moiteur des rythmes latins et grondements rageurs de l'électronique. En tournée dès le printemps 2023 et à L'Olympia (Paris) le 20 novembre 2024.

La grande voix du reggae africain nous offre son premier album acoustique. Il réinvente ses plus grands titres (Tonton d'America, Africain à Paris, Plus rien ne m'étonne, Ça va faire mal...), et invite à ses côtés de nombreux artistes français et internationaux (Bernard Lavilliers, Chico César, Naâman, Horace Andy, -M-, Tiggs Da Author...). Un incontournable dans sa discographie !

Voici ce qu'écrivait en octobre dernier Les Echos à l'occasion de la semaine de concerts d'Usher en France à la Scène Musicale : " De son nom émane toute une époque. Celle d'un âge d'or, comme on aime à l'appeler, où dans les charts américains se disputaient alors les morceaux d'Aaliyah, de Lauryn Hill ou de Big Pun. Lorsque l'on évoque cette période musicale si singulière, qui a jalonné la fin des années 1990 au début des années 2000, les albums d'Usher - " My Way ", " 8701 ", " Confessions " - font forcément figure de classiques. Et sur les rives de la Seine, dans un show tout droit pensé pour sa résidence à Las Vegas, l'artiste continue de faire revivre cet imaginaire, lui-même qui célébrera, dans quelques mois, ses trente ans de carrière. Sous les lumières de Paris, le voici qui apparaît tel un dandy moderne, bijoux autour du cou et tout de blanc vêtu, une touche de fourrure l'habillant. Le musicien se glisse dans le personnage qu'il a toujours esquissé et dont il n'a jamais totalement cherché à s'émanciper : celui d'un performer total, mêlant le chant à la danse, mais aussi d'un séducteur, dans sa musique comme dans son esthétique. " Ce nouvel album d'Usher marque la réunion créative d'Usher et de L.A. Reid, qui n'ont pas travaillé ensemble depuis l'album de diamant " Confessions " sorti en 2004. L'album a été principalement enregistré à Atlanta, en Géorgie, avec de nombreux producteurs parmi les plus en vue d'Atlanta, dont Sean Garrett, Lil John, The Avila Brothers, Mel & Mus, Tricky Stewart, Rico Love, The-Dream, Jermaine Dupri, D Mile et bien d'autres encore. Summer Walker, 21 Savage et Latto ont également participé à cet album. Avec ses 80 millions d'albums vendus, Usher sera la tête d'affiche du spectacle de la mi-temps du prochain Super Bowl (11 février 2024).

Sourire aux lèvres, la liberté plus que jamais chevillée au corps, Johnny nous livre un troisième album profond et énigmatique, ZANZIBAR. Ce troisième opus de la trilogie du Narvalo, a été enregistré, réalisé et sublimé par Jean Lamoot, courant 2022, entre Paris (Mercredi 9) et Carpentras (Studio Véga). Création collective avec ses frères, Kik (harmonicas), Ronan Drougard (guitares électriques) et Steven Goron (batteries) qui le suivent corps et âmes depuis tant d'années, ce recueil de 13 titres nous prend au large de son imagination, si ancrée, pourtant, dans la réalité, comme sur " Vers les Îles ", dans lequel il invite Rosemary Standley, chanteuse solaire de Moriarty, à partir au large avec lui, et nous offre là un duo magnifique. Fixi (Java, Tony Allen), Camille Bazbaz et Guimba Kouyaté, guitariste de Salif Keita, viennent embellir subtilement cette jolie partition. Des chansons d'amours, des tempos volontairement plus posés, une voix plus affinée et de somptueuses adaptations en français, de The Clash (Rebel Waltz), Hank Williams (I Heard that lonesome whistle blow) ou de Johnny Cash (What do I care), viennent compléter le tableau si joliment dressé de sa chère et tendre banlieue.

Après quatre albums et de nombreuses collaborations, on se gardera d'affirmer que Marion Rampal prend son envol. Intitulé 'Oizel', son nouveau recueil suggère pourtant une prise d'altitude. Comme un déploiement d'ailes qui, pareil à celui d'un oiseau marin, lui fait s'élever dans l'azur pour mieux plonger en elle-même, dans ces eaux profondes de l'identité, de la mémoire fondatrice où git le trésor de ses souvenirs d'enfance. Si la figure de l'oiseau est devenue essentielle, c'est qu'elle couvait déjà sous sa plume. Son précédent recueil, 'Tissé', s'achevait par un blues féministe, 'Still a bird', où s'esquissait une affinité que 'Oizel' prolonge et achève en convoquant la mobilité spatiale du migrateur, la nécessité vitale du nid, le chant réparateur. 'L'oiseau, sa symbolique à laquelle se rattache l'idée de liberté, m'a accompagné tout au long de la gestation de cet album dont l'enjeu était de s'emparer de la langue française plus que je ne l'avais fait précédemment.' Si Marion a longtemps concilié le format chanson avec la liberté du jazz, elle s'est soumise cette fois au strict respect d'une construction plus classique couplet-refrain collant mieux aux histoires qu'elle souhaitait raconter, aux émotions qu'elle voulait partager, aux portraits qu'elle entendait dresser. Celui de 'Tangobor' évoque l'abandon, la détresse, la résignation peut être quand, à l'inverse, 'Grande Ourse' fait palpiter en nous sur un rythme bluegrass tendance klezmer l'envie de fuite éperdue. Inspiré en partie d'un texte de Florence Aubenas sur une femme ayant rompu avec le monde pour mener une vie de sauvageonne, le morceau révèle cette part d'elle-même qu'elle mit longtemps à assumer totalement... 'J'ai toujours été fascinée par ces figures ancestrales un peu monstrueuses. Ce qui rejoignait en quelque sorte mon envie d'explorer la marginalité et ce basculement vers l'obscur, vers une folie qui soit aussi une libération. L'histoire de cette femme dans les Cévennes qui vit cachée dans les bois, pénètre dans les maisons inoccupées, vole de la nourriture, des habits, a changé mon fantasme en réalité. Elle m'a permis de finir la chanson.' C'est bien dans les sous-bois et les maisons abandonnées de la langue française que Marion se faufile ici pour batifoler comme une enfant livrée à elle-même, s'inventant des expressions - 'Coulemonde', 'Gare-Où-Va', 'Tampi Mon Âme' - presque un dialecte dans lequel elle sinue entre bon usage et chemin buissonnier poétique. La Marseillaise de souche qu'elle est, bien que dépourvue d'accent, a conservé une façon de tourner les phrases qui relève du parler local, celui des grand-mères si présentes en esprit. La chanson française fait peser un si lourd héritage sur celui ou celle qui s'y aventure, qu'elle se devait d'en respecter les codes, l'esthétique mais en lui infusant son imaginaire à l'aide d'un langage qui lui soit propre. 'Les mots, les mots, c'est beau les mots' s'enivre-t-elle dans un pur moment d'humilité et d'éblouissement mêlés. Parfois nous vient l'impression d'entendre des ' chansons d'autrefois d'aujourd'hui' lorsque surviennent 'D'où l'on vient l'hiver', 'Gare-Où-Va', 'Beaux Dimanches' en duo canaille avec Bertrand Belin, ou 'Oizeau', un ragtime feutré. Comme pour explorer un nouvel horizon dans un ciel familier, elle a conclu avec Matthis Pascaud qui réalise l'ouvrage, et Raphael Chassin, aux batteries, un pacte de légèreté. Ce sont eux qui impriment cette sonorité d'aquarelle épousant à merveille cette voix d'elfe pour berceuses éveillées et ballades en apesanteur qui nous frôle, nous caresse, nous embarque tout du long. 'Oizel' tend vers la fluidité, celle d'un folk bu à même la source, d'un country s'échappant d'un champ de lavande, d'une chanson douce recueillie au bord du songe ou d'une valse finale et 'parfaite', celle d''Aux Fleurs', sortie d'un ressac de calanque. L'eau et le ciel se fondent alors dans un même décor, celui d'une enfance heureuse, lumineuse, insouciante. On se baigne dans les souvenirs de 'Canards', évoquant dans un pur instant de bonheur suspendu cette manière de plonger à angle droit comme un palmipède, murmuré en duo avec Laura Cahen, autre sirène. On s'assoit dans la cuisine de Madeleine, grand-mère aux mille sagesses, dont l'âme bienveillante ressurgit sur 'D'Où l'On Vient l'Hiver', rappelant cette fonction mythologique de certains oiseaux qui est d'accompagner l'âme des défunts. C'est par le filtre de ce ré-enracinement, de ce ré-enchantement profond, cette relecture d'elle-même à travers la mémoire et les sens que sont distillées ces 11 chansons d'émotion pure, de grâce éthérée.

Raphaël fait son grand retour avec un nouvel album " Une autre vie ". 11 titres sublimes aux textes poétiques et aux mélodies ensorcelantes. Inclus le single " L'espoir ". Raphaël, auteur-compositeur-interprète légendaire de la scène française contemporaine, fait son grand retour avec un nouvel album " Une autre vie ". 11 titres sublimes, entre pop et chanson, d'une qualité incomparable, dans lesquels l'artiste se livre, à travers des textes poétiques, sur sa vision de la vie et du bonheur, entre amour, désir et nostalgie. Inclus le single " L'espoir ". Raphaël c'est 2,5 millions d'albums vendus, 4 disques d'or et 3 de platine, 3 Victoires de la musique, 1 NRJ Music Award, 1 Globe de cristal.

Jennifer Lopez dévoile sa véritable histoire à travers l'expérience musicale tant attendue, "This is me...now". Prévu pour le 16 février 2024, l'album et le film du même nom, écrits et produits par Lopez et Rogét Chayed, offrent une fusion harmonieuse de r&b, pop contemporaine et rythmes hip-hop. Avec la contribution d'artistes tels qu'Angel Lopez, Jeff "Gitty" Gitelman, HitBoy, Tay Keith et INK, l'album explore les hauts et les bas de la vie, de l'amour et des relations. La voix distinctive de Lopez, associée à des paroles complexes, crée l'opus le plus honnête et personnel de sa carrière à ce jour.

Le groupe de rock multi-récompensé aux Grammy Awards dévoile son 12ème album studio, 'Ohio Players'. Tout en créant 'Ohio Players', un titre inspiré du légendaire groupe funk du même nom, les Black Keys organisaient également des soirées dans des villes du monde entier qu'ils appelaient " record hangs ", jouant des 45 tours à partir de leur propre collection. "L'esprit de ces fêtes a imprégné l'ADN de l'album" déclare Dan Auerbach. Le premier single 'Beautiful People (Stay High)' a notamment été écrit avec de Dan The Automator et Beck. L'album comporte également la participation de Noel Gallagher, Greg Kurstin et bien d'autres.

Le virtuose de la guitare Julian Lage revient avec 'Speak To Me', son remarquable 4e album pour Blue Note Records après son album acclamé 'View With A Room' et son compagnon nominé aux GRAMMY, The Layers. 'Speak To Me' trouve le virtuose de la guitare élargissant sa palette sonore avec l'aide du producteur estimé Joe Henry (Rhiannon Giddens, Bettye LaVette, Meshell Ndegeocello, Allen Toussaint, Elvis Costello) qui améliore le lyrisme mélodique caractéristique de Lage sur cet ensemble varié de nouveaux morceaux convaincants et originaux. En plus du trio de longue date de Lage avec Jorge Roeder à la basse et Dave King à la batterie, l'album présente également les contributions du saxophoniste Levon Henry et du claviériste Patrick Warren.

La chanteuse, compositrice et pianiste Norah Jones, lauréate de neuf GRAMMY, dévoile son neuvième album studio solo Visions, une collaboration avec le producteur et multi-instrumentiste Leon Michels. Visions est un ensemble de 12 chansons vibrantes et joyeuses sur lesquelles Norah Jones chante le sentiment de liberté, l'envie de danser, la volonté de bien faire les choses et l'acceptation de ce que la vie lui apporte. "La raison pour laquelle j'ai appelé l'album Visions est que beaucoup d'idées sont venues au milieu de la nuit ou juste avant de s'endormir. Nous avons composé la plupart des chansons de la même manière : j'étais au piano ou à la guitare, Leon jouait de la batterie et nous faisions des jams. J'aime le côté brut entre Leon et moi, la façon dont ça sonne un peu garage, mais aussi un peu soul, parce que c'est de là qu'il vient, mais aussi parce que ce n'est pas trop perfectionné." explique Norah Jones.

Ce 72e album n'arrive-t-il pas juste à point ? 2024, année des Jeux Olympiques de Paris ! Cette nouvelle ayant couru très tôt dans les montagnes de Savoie, " Les Marmottes " ne pouvaient rester indifférentes à cette actualité du moment ! Le pari était lancé : Elles auraient, elles aussi, leurs propres JO là-haut dans la montagne ! Mais que peut-on raconter en 10 chansons sur les JO ? Eh bien, les Marmottes vous livrent avec humour et fantaisie leur propre vision de ces manifestations JO : athlétisme, gymnastique, sports aquatiques, patinage artistique, sports d'hiver, cyclisme... 10 chansons très personnelles, drôles, dynamiques, entraînantes, mais aussi pédagogiques. On apprend tout en s'amusant ! Un album qui ravira les petites mais aussi les grandes oreilles !

Avec Gangbusters Melody Club, Caravan Palace est parvenu à l'équilibre parfait entre toutes les sonorités qui les inspirent depuis l'origine, de l'art du sampling aux harmonies vocales des Four Freshmen. Oscillant entre mélodies instantanément mémorables (" 81 Special", " City Cook "), morceaux taillés pour les grand-messes scéniques (" Mad " et ses airs de chant de ralliement swinguant, le funky " Reverse ", " Mirrors " et son beat house implacable) et moments d'émotion pure hors du temps (" Avalanches " et " Fool "), le trio livre un bouquet de compositions inspirées, enrichit sa collection de tubes, atteint de nouveaux sommets et signe l'un de ses tous meilleurs albums. Point de départ idéal pour découvrir leur univers, Gangbusters Melody Club est aussi l'aboutissement d'un parcours où se reconnaîtront les fans de la première heure comme des albums suivants. Toujours joyeusement inclassable, la musique de Caravan Palace, attachante et universelle, est à l'image de cette formation dont l'originalité reste la plus grande force.

Avec sa voix puissante et son riche éventail artistique, Ariana Grande a émergé comme l'un des talents les plus magnétiques et prospère de la scène pop américaine. Depuis ses débuts en 2013, la jeune femme a su s'imposer par sa présence vocale tant appréciée et ses collaborations avec Mika, Nicki Minaj ou encore Justin Bieber. 4 ans après l'opus Positions, l'ancienne jurée de The Voice USA signe son grand retour avec "Eternal Sunshine" dans les bacs le 8 mars prochain.

6 ans après la sortie de son 5ème album studio 'Man Of The Woods', Justin Timberlake est de retour avec un nouveau single "Selfish", premier extrait de son album disponible le 15 mars prochain !

Liam Gallagher & John Squire: parler d'une collaboration au sommet est presque un euphémisme. Déjà liés par une amitié et une admiration mutuelle depuis des années, les retrouvailles sur scène entre le légendaire frontman solo et chanteur d'Oasis et le guitariste des Stone Roses, au mythique Knebworth House devant 170.000 fans en 2022, ravivent l'envie persistante de faire de la musique ensemble. Le résultat, issu d'une session d'enregistrement à Los Angeles avec le producteur Greg Kurstin, réside dans ces 10 titres disponibles dès le 1e mars 2024, dont les épiques premiers extraits 'Just Another Rainbow' et 'Mars To Liverpool'.

Patrick Fiori, chanteur français emblématique, présent dans le paysage musical depuis plus de 30 ans revient avec un 9ème album solo. Après l'album " Un air de famille " (certifié platine) puis le projet " Corsu Mezu Mezu 2 " (certifié platine) dont Patrick Fiori est l'initiateur, il sort aujourd'hui son nouvel album " Le chant est libre ". Patrick Fiori partira dès le mois de mars pour une tournée des Zéniths dans toute la France.

PROJET CARITATIF, A BUT NON LUCRATIF : tous les profits seront reversés à l'Association Les Restos du Coeur. A l'occasion des 35 ans des Enfoirés cette année et fidèles à l'appel lancé par Coluche, les plus grands artistes de la scène musicale française se réunissent pour la cause des Restos du Coeur. Plus que jamais, les Restos du Coeur ont besoin de vous ! Et rappelez-vous que " CHAQUE CD OU DVD VENDU = 17 REPAS OFFERTS AUX RESTOS DU COEUR ". Retrouvez l'intégralité du nouveau spectacle 2024 " On a 35 ans ! " dans 2 formats : double CD et double DVD. Inclus l'hymne 2024 " Jusqu'au dernier " écrit par Ycare et composé par Ycare et Patrick Bruel.

Boléro, le nouveau biopic consacré au célèbre compositeur Maurice Ravel, réalisé par Anne Fontaine, s'accompagne d'une remarquable bande originale. Les compositions, signées Maurice Ravel, Frédéric Chopin et Alexandre Tharaud, sont interprétées par de talentueux musiciens : André Cluytens, le Quatuor Parrenin, Dinu Lipatti, Renaud Capuçon, Gautier Capuçon, Alexandre Tharaud, Frank Braley, Samson François, Aurélien Pontier, Dirk Brossé et la Philharmonie de Bruxelles. Cette BO promet une immersion dans l'univers intemporel qu'offre Maurice Ravel.

The Road Back Home a été enregistré au cours de l'été 2023, alors Loreena McKennitt participait à quatre festivals dans le sud de l'Ontario. C'est un retour aux sources, aux premières chansons, aux musiciens locaux, aux salves d'énergie et à la spontanéité de ces spectacles qui ont inspiré ce nouvel album. L'album comprend 10 chansons, dont de nombreux morceaux qui remontent aux débuts de Loreena McKennitt et qui n'ont pas été enregistrés jusqu'à présent.

Après le succès de ses quatre derniers projets et 4 Grammy Awards dont Album de l'année en 2020, le groupe Vampire Weekend présente son nouvel opus Only God Was Above Us. Largement inspiré par New York et enregistré à travers le monde entier (NY, LA, Londres, Tokyo), l'album est selon le chanteur Ezra Koenig sa propre version de " Dark Side of the Moon rencontrant Paul's Boutique ". Il a été produit par Ezra Koenig et son collaborateur de longue date Ariel Rechtshaid. Only God Was Above Us évoque des thèmes universels : l'envie de remettre en question le monde dans lequel nous vivons, la quête d'une paix qui ne peut être trouvée que par l'acceptation. L'album est à la fois aussi direct et complexe que tout ce que le groupe a sorti jusqu'à alors, aussi beau et mélodique que jamais, et montre Vampire Weekend à son meilleur. Le titre est tiré directement de la pochette de l'album, qui est une photo prise par le photographe Steven Siegel dans un métro fantôme du New Jersey en 1988.

Après L'IMPERMANENCE Alain Chamfort n'enregistrera plus d'album. Et c'est lui qui en a décidé ainsi. Point d'orgue à une carrière discographique démarrée il y a un peu plus de 50 ans, "L'impermanence" ressemble à une oeuvre majeure. Profonde. Poignante. Quasi crépusculaire. A l'instar des rares à l'avoir précédé sur ce vertigineux terrain (Léonard Cohen, David Bowie et Jacques Brel), Chamfort choisit ici de confronter sa création à notre inéluctable condition : cette "impermanence en permanence", cette "violence en permanence".

La musique de Gwendoline en a rien à foutre. Elle a pas de projet. Elle tente rien, ils le répètent à qui veut l'entendre, faut juste écouter. Chacun entendra ce qu'il veut dans 'C'est à moi, ça', nouvel album des deux brestois signés chez Born Bad. D'aucuns voudraient qu'ils soient Joy Division, Noir Boy George, Bruit noir, Ventre de biche, les bérus. Voudraient que leur wave soit cold, shlag, dark...mais c'est pas leur problème. Les malentendus peuvent tuer dans ce métier, par pitié laissons ces deux-là tranquilles. Chanter la tise à ce point, c'est plus la haine de soi qui guide leurs pas, c'est culturel. C'est un acquis social, ils ont le droit de chier sur Rennes quand les costards en gyropode y ont piqué leurs bars préférés. C'est bien un truc d'inclus de trouver qu'ils sont déprimés, il suffit d'écouter 'Le sang de papa et maman' pour comprendre à quel puits artésien ils vont chercher le pastis croupi qui jaillit de ce disque. Il y a des chansons qui se laissent chanter, parce qu'il y a de la place pour nous dedans. Gwendoline calcule rien, si ça braille simple comme au foot, c'est pas pour remplir des stades, c'est parce que c'est venu comme ça. Alors on gueule que nous aussi, on veut les 'retrouver au PMU à huit heures du matin, pour partir en retraite en mobylette, avec tous les copains'. Leur hymne passé, tiré de 'Après c'est gobelet', a quelques cousins dans l'album, notamment Rock 2000 ou Pinata. C'est peut-être moins élaboré que l'an 01 comme révolution, mais ça fera l'affaire pour Pierre Barrett et Mickaël Olivette, deux paumés magnifiques pour qui 'la fin du monde a commencé quand ils sont nés'. C'est moins écrit que du Pascal Bouaziz, mais comme ils l'affirment, 'écrire comme Beaudelaire, ils en ont rien à foutre'. Et puis fondamentalement : ils disent les termes. Ceux de la France nutriscore Z comme Zemmour. Leur langue a le goût d'un sous-bock humide et sent le micro fatigué de vivre dans le tiroir du comptoir d'un bar-tabac. Ils prononcent les R comme pour cracher sur tout, parce que tout le mérite : meetic, les clubs de vacances, la génération d'avant, celle d'après, la vie low-cost, les croquettes au poulet, la trash télé qui mange les cerveaux, 'les gens qui savent parler'. Et eux-mêmes, sans doute, parce qu'il ont autre chose à faire qu'élaborer des plans socialement responsables dans leur disque. Et on a envie d'être d'accord, de pas choisir, de pas savoir. Ils comprennent pas pourquoi, après des années de loose, les gens formidables veulent faire des selfies avec eux, pourquoi d'un coup, 'tous les soirs, c'est la soirée de l'année'. Et ça ne va pas s'améliorer avec ce nouvel album pensé en duo à la maison, enregistré littéralement à la toute fin des choses, dans le Finistère. Les instrus sombres, radicales et sans chichis (Jake et Romain, guitare / claviers), y font la courte-échelle à Pierre et Micka, corps complémentaires pour dégueuler sur tout, avec un exceptionnel sens de la formule. Ils y sont pour rien si on les aime, et ça les fait déjà chier. On les aime parce que leur colère est juste. On a plus le luxe de la nuance quand tout a le goût du beurre doux qui a mal tourné.

La célèbre soprano Sabine Devieilhe s'associe aupianiste Mathieu Pordoy pour présenter un album rendanthommage aux compositions de deux prodiges, Mozart etStrauss. Richard Strauss considérait Mozart comme "leplus sublime des compositeurs" et fut grandement inspirépar lui. L'album comprend 8 lieder de Mozart et 14 deStrauss, tous brillamment écrits pour la voix de soprano,dont le sublime "Morgen" de Strauss, en compagnie de lavioloniste Vilde Frang.

"Las mujeres ya no lloran", le tant attendu nouvel album de Shakira est prévu pour le 22 mars prochain. Ce nouvel opus de la super star colombienne contiendra 16 titres dont certains sont déjà sortis et ont déjà battus de nombreux records (plus de 3,7 milliards d'écoutes combinées) : "Music sessions vol. 53" avec Bizarrap, "TQG" avec Karol G, "Te felicito" avec Rauw Alejandro, "Copa vacia" avec Manuel Turizo, etc. Au fil des années, Shakira continue de consolider son statut légendaire grâce à ses innombrables succès et cela continuera, sans aucun doute, avec ce nouvel album dans lequel sa vulnérabilité, sa confiance et sa passion mettent en évidence ses défis personnels et ses triomphes.

Style emblématique et dynamisme surprenant, MC Solaar est bien de retour. Avec 5 victoires de la musique et plus de 5 millions d'albums vendus au cours de sa carrière, la légende MC Solaar est de retour, 6 ans après son dernier album. Pionnier du rap dès les années 90, l'homme que l'on nomme parfois Claude MC est de retour avec un nouveau concept-album. Première prise de parole d'une année qui s'annonce très riche avec un nouveau projet surprenant et plus de 70 dates de concerts. Ce premier album d'une série de trois, allie parfaitement son style emblématique à un dynamisme surprenant, qui prouve une fois de plus pourquoi MC Solaar demeure une figure incontournable et intemporelle.

Après le succès de leur deux premiers album Aller-Retour (Disque de platine) et Minuit (disque d'or) portés par des titres intemporels comme Le temps est bon ; Le temps de l'amour et des collaborations bien senties comme Alba avec Sofiane Pamart et Le coup d'soleil en duo avec Emma Peters, Bon Entendeur nous dévoile son nouvel album estival - Rivages. Rivages est le récit électronique d'une croisière en mer méditerranée, en escales de la French Riviera à la Bossa Nova. Un album fidèle à l'ADN du duo français qui met à l'honneur la danse de la nuit et l'énergie solaire de leurs origines latines, une nouvelle signature de leur esthétique vintage et disco. Dans cet album, se mélange créations originales comme Rome ou Disco en Egypte et des titres iconiques remis au goût du jour comme Fio Maravilha vs Nicoletta. Deux Olympia complets le 4 et 5 avril et une tournée des plus grands festivals français promettent un voyage solaire à ce nouveau projet tant attendu.