Flash musique septembre 2019

Il y a une signifi cation profonde dans le titre et la pochette du nouvel album de Michael Schenker Fest. déclare Michael lui-même: "Cela illustre ma vie musicale en un coup d'oeil. " Michael Schenker est une fi gure légendaire du Rock. Son travail avec Scorpions, UFO et le groupe MSG ont fait de lui un héros pour des millions de fans et inspiré une génération de musiciens, y compris Steve Harris de Iron Maiden, Kirk Hammett de Metallica et Slash of Guns N 'Roses. Revelation est un projet ambitieux et peu orthodoxe mettant en vedette quatre chanteurs avec qui Michael Schenker travaille depuis 1979.

Status Quo est de retour ! Avec plus de 118 millions d'albums vendus et des hits inoubliables, Status Quo reste un des groupes les plus importants du Rock anglais. Backbone, premier album studio du groupe en 8 ans, est le 33ème de leur carrière, et peut-être celui que les fans attendaient le moins. Cet album montre un groupe qui a su rester uni malgré les épreuves, autour de l'inoxydable Francis Rossi. Un groupe qui continue à tourner sans relâche et à composer des morceaux Boogie-Rock qui déchirent. Un album de Status Quo est toujours une occasion pour célébrer le groupe, surtout quand il est aussi fort que celui-ci. Backbone est un album dont Francis Rossi et ses acolytes peuvent vraiment être fiers.

Quatre ans après Escape From Evil, Lower Dens est fier d'annoncer son nouvel album The Compétition à paraître le 6 septembre 2019 chez Ribbon Music. The Competition est un album pop et un manifeste à la fois émotionnellement et politiquement engagé, où Lower Dens superpose des sons enregistrés, des prises live, de l'électronique et des synthés harmonisés en un mur de sons. Les chansons magnétiques provoquent autant l'introspection que l'euphorie. Le résultat est un album accrocheur qui fusionne la musique et les sensations : un disque de pop résistante, reflet de notre époque.

Produit par Nick Raskulinecz, détenteur d'un Grammy Award, The Nothing, succède à The Serenity Of Suffering. L'album sorti en 2016 s'est hissé en 4ème position du Billboard 200 et en 1ère position du top album rock et du top album hard rock aux USA. Un des singles issu de l'album "Rotting In Vain" a reçu un Grammy Award. Pionniers d'un courant musical dès leur premier album éponyme, Korn a conquis une horde de fans, qui les ont suivis dans leurs explorations musicales. Le groupe californien continue avec The Nothing à mélanger des lignes de basse ravageuses, des guitares tranchantes, et le chant torturé du chanteur, Jonathan Davis.

L'artiste britannique a réussi à se faire une place particulière sur la scène pop mondiale hyper conformiste et standardisée. Avec près de un milliard de streams à son actif, une liste de collaborations impressionnantes (Rita Ora, Bebe Rexha, Troye Sivan, Cardi B...) et des titres allant de la pop ("Fancy", "I love it", "Boom clap", "1999") à de l'électro spé ("Focus", "5 in the morning"), Charli manie habillement ses apparitions. Hyperactive, groundbreaking, créative, elle s'essaie à tout. Auteure, compositrice, réalisatrice de clip et documentaire, elle ouvre même son propre label en début d'année. Aujourd'hui, elle annonce la sortie de son troisième album studio sobrement intitulé "Charli" et sur lequel elle a su s'entourer des sensations pop Lizzo, Troye Sivan, Sky Ferreira, du girls band Haim mais aussi de la française Christine and The Queens.

Premier album de Banhart depuis "Ape in Pink Marble" sorti en 2016. "Ma" est débordant de tendresse, de clin d'oeil autobiographiques et témoigne du passage de l'expérimentation sonore de ses précédents albums à une histoire complexe et captivante ainsi qu'à une intimité émotionnelle. Devendra privilégie les sons organiques pour accompagner sa voix et sa guitare, des arrangements renforcés par des cordes, des bois, des cuivres et des claviers. Son 1er single, "Kantori Ongaku" traduit du japonais en "musique country" est un clin d'oeil à la légende de la pop expérimentale Haruomi Hosono, membre fondateur du groupe électronique infl uent Yellow Magic Orchestra.

6e froufrou de Glam Rock décadent de STEEL PANTHER, "Heavy Metal Rules" aligne les tubes à paillettes avec cette nonchalance et cette aisance propre au combo hollywoodien. Nos 4 Américains extravertis ont redonné leurs lettres de noblesse au Glam Rock à grands renforts d'humour gras et de pseudo polémique comique mais surtout grâce à leur musique énergique et fédératrice. 10 pépites de Rock viril, 10 raisons de ressortir spandex zébré et bottines en croco afin d'aller déambuler le long du Strip avec son Crüe.

"Je laisse la musique s'écrire de l'intérieur et l'inspiration vient du monde qui m'entoure" révèle ainsi Tony Kakko - chanteur charismatique et génie musical des maîtres du Power Metal, Sonata Arctica. Tout en déroulant un joli savoir-faire musical mis en relief par d'excellents moments de Heavy mélodique teintés de passages symphoniques et de refrains mémorables, les Finlandais réussissent avec Talviyö à proposer une sensibilité nouvelle, profondément épique avec des mélodies complexes mélangées à un jeu d'émotions subtil. Sonata Arctica nous prouve ainsi que même après 20 ans de carrière le groupe est encore capable de progresser. "Talviyö" contient l'essence pure de Sonata Arctica.

Après trois décennies de bouleversements, de ruptures, d'épreuves et de péripéties, les Pixies sont enfin en paix avec eux-mêmes. Leur septième et nouvel album "Beneath the Eyrie" capte parfaitement la vélocité enragée, les inventions illimitées et l'esthétique frappante des premiers chefs-d'oeuvre des Pixies, sans avoir besoin de les reproduire.

Depuis 2012 Lindsey Stirling s'est fait remarquer comme la violoniste virtuose, mêlant influences celtiques et musique électronique. En septembre 2012, elle sort son premier album intitulé ''Lindsey Stirling'' qui rencontre un succès important, se plaçant même dans le top 15 en France (+ 20 000 ex vendus). Deux albums suivent, ''Shatter me'' en 2014 (+15 000 ex vendus) et ''Brave Enough'' en 2016 (+15 000 ex vendus), un album de reprises de Noël, ''Warmer in the Winter'' en 2017. En novembre 2017, sa chaîne YouTube cumule plus de dix millions d'abonnés et ses clips plus de deux milliards de vues. Elle a notamment joué avec des artistes tels que Sean Kingston, Donny Osmond, Alan Jackson, The Piano Guys, Pentatonix, John Legend, Marina Kaye, Céline Dion et Evanescence.

Lost Girls, cinquième projet studio de Bat For Lashes aka Natasha Khan, fait suite à la sortie de The Bride en 2016, poétique et mélancolique. Le nouveau projet de Natasha mêle habilement ligne de basse profondes, pop sophistiquée et choeurs en cascade donnant ainsi naissance à un album plein de romance, un hommage à Los Angeles - ou l'album a été enregistré - et à l'enfance passée dans les années 80. Avec Lost Girls, Natasha Khan crée une nouvelle fois un univers unique qui marquera la rentrée 2019.

Le mythique groupe The Brand New Heavies marque leur grand retour au sein de leur maison spirituelle depuis 1989, le label Acid Jazz Records. Fondé par Andrew Levy and Simon Bartholomew, le duo a été le pillier de l'émergence de l'Acid Jazz au début des années 90 aux côtés de Jamiroquai et Young Disciples. Rapidement devenus des emblêmes du genre et modèles pour les artistes à venir, le groupe revient aujourd'hui avec TBNH produit par Mark Ronson et en collaboration avec la chanteuse N'Dea Davenport dont le talent se mêle subtilement au groove caractéristique de The Brand New Heavies.

"Every song that's nevermore sung/will sound again upon the Evernew Tongue". Que l'on comprenne ou pas la référence, elle résume bien l'approche d'Alasdair Roberts en tant qu'auteur-compositeur-interprète, à mi-chemin de sa troisième décennie. Au fil des ans, il s'est consacré à l'histoire des chants traditionnels, les jouant dans notre monde en évolution constante au fur et à mesure que leurs significations évoluaient en lui. Que ce soit en chantant des morceaux anciens, en s'inspirant d'une ligne de texte ou en prenant un air séculaire comme point de départ d'une nouvelle chanson, il a fait progresser la tradition comme peu d'autres l'ont fait avant lui. Depuis ses deux premiers albums solo, une collection de chansons traditionnelles suivie d'un album de ses propres compositions, Alasdair a continué cette alternance sur une douzaine d'albums. The Fiery Margin fait suite à What News de 2018, une collaboration avec David McGuinness et Amble Skuse composé de huit ballades écossaises. The Fiery Margin est donc un nouvel ensemble de morceaux originaux, dont certains puisent des éléments dans les chansons, le chant et la pensée des derniers millénaires. On peut dire qu'il y en a pour tous les goûts ici ! Sur The Fiery Margin, il s'appuie sur les percussions d'Alex Neilson et le jeu de basse expansif de Stevie Jones, qui se sont associés à lui sur quelques albums précédents. The Fiery Margin a un design sonore varié, passant avec fluidité des guitares acoustiques aux guitares électriques grâce au jeu agile de l'altiste irlandais Ailbhe nic Oireachtaigh pour incarner et développer la musique. D'autres musiciens apportent des touches d'accordéon, de guitare pedal steel, de saxophone et même des harmonies Barbershop, aidant Alasdair à creuser les racines mystérieuses et durables de notre musique commune à une profondeur consonante, mais toujours énigmatique. Enregistré par Luigi Pasquini aux studios Anchor Lane de Glasgow, The Fiery Margin est un récital exceptionnel dont les origines peuvent être attribuées à la musique tradionnelle écossaise, irlandaise et anglaise, mais aussi du monde extérieur.

En sept albums, l'artiste français M83 est devenu une référence incontournable dans le monde entier. Plébiscité par les médias anglo-saxons depuis son premier disque paru en 2001, il connait un succès retentissant avec la sortie en 2011 de son album "Hurry up, we're dreaming". Depuis, il a sorti l'album "Junk" (2016), été tête d'affiche de festivals à travers le monde et composé la musique du Cirque du Soleil ainsi que du film "Un Couteau dans le coeur". DSVII est le deuxième volet de la collection "Digital shades", dont le premier album est paru en 2007. Inspiré par la discographie ambient de Brian Eno mais aussi par la musique des jeux vidéo des années 80, M83 nous livre avec "Digital shades, vol.2é une production intimiste et atmosphérique.

L'enfant terrible de Manchester revient avec un second essai solo exaltant! La voix d'Oasis est de retour avec un nouvel album deux ans après le succès de 'As You Were', un premier essai en solo qui lui a valu plusieurs récompenses outre-Manche. Tout comme son prédécesseur, 'Why Me? Why Not.' A été écrit et produit par Greg Kurstin et Andrew Wyatt. Le trio nous offre une nouvelle fois un grand disque de rock fl irtant avec la pop et où la voix du performer n'a jamais sonné aussi bien. Liam Gallagher promet en tout cas une chose: "It's a better record than As You Were. Which is saying something, as that was epic, wasn't it?"

Célèbre chanteuse du groupe américain Alabama Shakes, Brittany Howard s'est déjà produite dans les plus grands festivals du monde (Coachella, Lollapalooza, Glastonbury) et aux événements les plus prestigieux (Grammy Awards, White House). Celle dont la voix puissante a souvent été comparée à celle de Janis Joplin présente son premier album solo, dont est extrait le premier single "Stay High". Dédié à sa soeur musicienne disparue lorsqu'elle était adolescente, cet album est pour Brittany une manière de remercier celle qui lui a transmis sa passion pour la musique, l'art et la créativité.

 

Comme à chaque fois, Shannon Wright désoriente ; comme à chaque fois, elle publie une pièce majeure enrichissant encore son indispensable discographie. - - Avec Providence, l'américaine sort l'album qui l'attendait toute sa vie. Un album joué intégralement au piano, instrument pour la première fois investi en unique allié à sa voix. C'est sans aucune autre protection et sous forme de poèmes que Shannon Wright déclame avec toute la puissance émotive qu'on lui connait un recueil d'histoires très touchantes et personnelles.

Réédition du 5e opus des Finlandais de THE RASMUS "Dead Letters" dans une "Fan Edition"des plus garnies puisque rehaussée de pas moins de 4 titres bonus choisis par lesdits fans.L'album le plus emblématique de la formation originaire d'Helsinki à nouveau disponible 15 ans après sa sortie, annonçant une tournée mondiale fin 2019 lors de laquelle le quatuor jouera "Dead Letters" dans son intégralité.

Après un hommage à Luis Mariano et un album de reprises de chansons françaises intemporelles, Mathieu Sempéré explore les univers musicaux qu'il affectionne pour créer ses propres chansons. Il lui aura fallu 9 ans de réflexion et de travaille à la recherche nouvelles directions et de partenaires de voyage pour entremêler la musique classique et la chanson. L'album de la maturité ? Certainement l'album dans lequel Mathieu Sempéré se dévoile le plus. Il aurait pu se nommer "Tant de chansons qui me ressemblent". C'est une suite de morceaux musicaux aux univers différents, dans lesquels Mathieu Sempéré s'est inspiré de grands thèmes de musique classique, des symphonies quelques fois, pour en faire des chansons avec des textes inédits. Ces grands thèmes classiques servent de supports à l'inspiration musicale de chaque chanson. Les textes parlent de ceux qui l'entourent, de sujets qui lui tiennent à coeur. De l'évocation de ses origines espagnoles "Les chevaux d'Andalousie", d'écologie "Leur héritage", d'amour évidemment "Après nous" "quand tu dors", et de son Frère et sa "différence". Ténor des STENTORS. Oui, mais pas seulement ! C'est d'abord un chanteur classique qui interprète les rôles aussi bien d'opéra que d'opérette. Et puis, passé par les plus grandes maisons de disques (Universal), aujourd'hui il s'autoproduit pour plus de liberté. Depuis 2011, il est ténor du groupe "LES STENTORS", production TF1 musiques, avec lesquels il interprète des succès de la chanson française, réunis dans 7 albums récompensés par de nombreux disques d'or. En 2013, il participe comme soliste sur 2 titres, à l'Album des "Choeurs du Vatican" enregistré à Rome, sorti chez Sony Music. Après avoir été choisi par la famille et les ayants droit, pour être le représentant officiel des 100 ans de la naissance du ténor Luis Mariano en 2014, il sort un album chez Sony Music et enchaîne avec une tournée de plus de 45 Zeniths à travers la France. En 2016, il fait ses premiers pas au théâtre. Il interprète la pièce comique "Carmen à tout prix" qui est toujours en tournée. En 2017, il sort son album hommage aux géants de la chanson française avant 1965.Au sein des Stentors ou en solo, il met avec succès sa voix lyrique au service de la chanson française, aussi bien que de l'opéra ou de ses propres compositions. Il propose à son public des concerts mélangeant les styles et s'associe régulièrement à d'autres grands artistes (Chico et les Gypsies, Julie Zenatti, Jeane Manson, Pascal Danel, Nicoletta).

 

 

A l'occasion de ses 70 ans!, Arno présente son nouvel album. Toujours plein de ressources et d'imagination, Arno est une source intarissable de textes et de mélodies inoubliables, dans un style absolument inimitable. Plus qu'une marque de fabrique, Arno est une personnalité, un accent, une voix, qui font à jamais partie de notre patrimoine.

Neuf ans se sont écoulées depuis leur dernier album "Turbulence". Une longue attente pour les fans de ce nouvel album que les Infidèles ont voulu résolument moderne sans pour autant renier ce qui a fait leur succès. Un rock français mélodique et racé. Le nom fait d'abord résonner un son, celui d'un rock flamboyant puisant sa coloration dans un mélange équilibré de blues et de funk aux accords cuivrés, qui fut la signature du groupe au début des années 90. En janvier 2017, Les Infidèles enregistrent enfin un album live de 14 titres, reflet exact de ce que donne le groupe taillé pour la scène. Ce live reprend toutes les périodes discographiques des Infidèles. Didier Gris, violon et bouzouki, apporte une couleur particulière. Le tube "Les larmes des maux" prend alors une autre dimension. Le groupe est composé aujourd'hui du trio francomtois Jean Rigo, à la guitare et au chant, Olivier Derudet, à la basse, et de Fred Maisier à la batterie.

Assumer. La sensibilité débordante comme la puissance sans appel d'une mélodie à l'unisson. La part animale qui s'empare des corps et la douceur qu'il faut avoir l'audace d'arborer. Assumer de se retirer en soi pour y invoquer des mondes, s'évader pour se lancer à l'assaut de sa propre dualité. Pour composer les douze titres de son deuxième album "îLeL", Hildebrandt s'est lancé dans une quête solitaire et nécessaire, à revers des normes et des injonctions préconçues. Muni des oeuvres de Stevenson, il s'est retiré dans un refuge de montagne ou sur des îles atlantiques. Dans "îLeL", il explore un territoire où le masculin se déploie à rebours, où les genres se confondent et les émotions se bousculent. Par sa vitalité rouge et ses fulgurances immédiates, "îLeL" est alors cette invitation à s'évader en soi-même pour y déployer, enfin, l'audace de la tendresse.

Après plus de 80 dates sur leur derniere tournee, BB Brunes devoile un 5eme album "Visage" realise par Samy Osta (Feu !Chatterton, La Femme, Rover...). Un mode opératoire simple: les prises de son ont été faites en live, sans effets, des voix jusqu'au choix d'instruments organiques a la source du rock. Sur les traces de The Drums, Bashung ou encore de The Suicide, BB Brunes réaffirme l'identité rock de leurs origines. Les onze titres de ce cinquième album ont été écrits dans un éclair fulgurant. "J'étais dans une période de convalescence sentimentale, confie Adrien Gallo. Pourtant, ces morceaux me sont venus très vite. Cette fois, tout était naturel et agréable, du premier jet jusqu'à l'enregistrement en studio. On savait exactement ce qu'on voulait : un album sans prétention, simple et spontané. Je crois que je n'ai jamais été aussi heureux en studio, comme pour notre premier album quand tout était nouveau. J'ai retrouvé pourquoi on avait commencé à faire de la musique. C'était une sensation intense et jubilatoire".

Il semblerait qu'elle nous revienne l'âme insouciante, en fête. Elle s'enivre sur une musique up tempo, ses cheveux s'emmêlent, ses yeux bleu nuit visent la boule à facettes au plafond. C'est "Larmes à paillettes", le premier single du 5ème album de Rose, "Kérosène". "Kérosène" en contient 13 chansons, chacune correspondant à un chapitre de l'autobiographie qu'elle publie au même moment. Un disque et un livre éponymes, faux jumeaux, qui racontent de quelle abîme a réchappé leur auteur, la niçoise flamboyante, Keren alias Rose, qui débutait en 2006 en dressant "La liste" de ses envies inassouvies. Depuis, sa guitare en arpèges n'a cessé d'égrener les aléas d'une vie de mélancolie, ce sentiment mouvant, gênant comme un pull à même la peau, et qui pique. "Kérosène" revient sur "Les années diaboliques", celles qui ont "cogné aux portes des vices/ont sonneéla fin des Cantiques". Elles la poussaient à poursuivre ses déambulations jusqu'au lever du soleil, après une nuit de plus sous le signe de chaos. Le réalisateur Régis Ceccarelli (Henri Salvador, Alain Souchon, Abd Al Malik) saura mettre la couleur qu'il faut sur les humeurs de chaque chanson, de chaque chapitre. Il réussit l'exploit d'unifier les titres de "Kérosène", qui n'est pas homogène puisque la vie de Rose, elle, ne l'est pas. Il ajoutera parfois des cordes au piano pour sublimer toute l'émotion contenue dans cet album, celui d'une renaissance.

Madame Monsieur est un duo français, composé d'Emilie et Jean-Karl. Le duo a représenté la France au Concours Eurovision de la Chanson 2018, avec la chanson "Mercy". Nouveau projet, nouvelle image. En 2019, ils préparent un nouvel album intitulé "Tandem" avec de grands artistes français. Chanteurs, rappeurs, ils ont tous rejoint ce projet. "Tandem" est un album à deux faces : Pop & Hip-Hop. Parmis les invités : Bilal Hassani, Youssoupha, Boulevard Des Airs, Amir, Soprano, Christophe Willem, Kyo, Claudio Capéo, Slimane, Black M, Jeremy Frerot, Chilla, Kpoint, Lord Esperanza, Jok'air, Remy, Kalash Criminel

Yannick Noah enfin de retour 5 ans après "Combats ordinaires" avec " Bonheur Indigo ", son nouvel album. Le premier single "Viens" a été écrit et composé par le groupe Boulevard des Airs résolument encré dans l'air du temps.

Depuis le début de sa carrière solo en 2008, Manu a sorti six albums, chacun donnant un éclairage particulier à sa musique. En 2019, son septième album, "L'Horizon", est aussi son oeuvre la plus personnelle. "L'Horizon" est un voyage fantasmagorique de 20 plages aux frontières de la pop et de l'expérimental, rythmé par de nombreuses virgules musicales. Un parcours psyché surprenant qui révèle les influences habituelles de Manu (Grandaddy, Pixies ou Cocorosie), mais se permet aussi de défricher de nouveaux univers et de nouvelles sonorités, parfois proches de l'électro, du post-punk ou même du kraut... Avec cet album qu'elle a réalisé et mixé, Manu élargit son champ de vision en conservant tout son talent mélodique et sa patte rock. Un nouvel horizon...

 

"L'art de la défaite" de Batlik, c'est Peter Falk en chemise à fleurs, à la recherche d'une mélodie perdue entre les lignes d'Emil Cioran. Que deviennent l'oeuvre, la mythologie et la vie d'un auteur après en avoir traversé un autre ? C'est avec une poreuse résonance que Batlik, le chantre de l'anti-héroïsme, s'est attelé à l'exercice suivant : écrire, composer et interpréter dix chansons, comme un écho aux écrits du philosophe, poète et écrivain Emil Cioran. Accompagné par la voix et la guitare d'Alice Animal, la batterie de Johann Guidou et la basse de Viryane Say, Batlik nous livre dix échappées, dix perspectives, dix tentatives de sublimer les mornes contingences du temps en ondes poétiques, teintées d'ironie et d'un humour nonchalant. Batlik nous emmène donc sur les traces de Cioran, en cheminant entre les chansons de son douzième album. Plus qu'un concert, c'est une histoire, un voyage à l'issue incertaine mais dont on savoure chaque instant.

Mah Damba est une djelimousso, une griotte, ces musiciens professionnels du monde mandingue, également généalogistes, chroniqueurs, et grands dépositaires de la tradition épique. Porteuse d'un héritage culturel séculaire, Mah Damba n'a jamais fermé la porte à la nouveauté. Au fil de ce nouvel album, on mesure l'étendue de sa tessiture, capable de grimper les octaves comme de plonger dans les graves. C'est justement cette voix, désormais légèrement éraillée par la patine du temps, puissamment ancrée dans une tradition qu'elle porte dans les tréfonds de sa gorge, qui fait toute la différence.

Généreux, brut et électrique : les rois du blues du désert présentent leur nouvel nouvel album aux frontières du blues, du rock et de musique traditionnelle touareg ! Les portes étendards de la cause touareg reviennent avec un neuvième album. Un retour aux sources pour ce groupe nomade, composant ce dernier dans un studio d'enregistrement mobile au cœur des dunes mauritaniennes, posant leurs guitares sous les étoiles du Sahara. Un album riche toujours engagé politiquement mais traitant de sujets sociétaux nouveaux tels que le réchauffement climatique, et notamment son impact sur leur terre natale qu'est le Mali. Ayant acquis au fil des albums une notoriété internationale désormais incontestable, le groupe collabore de nouveaux avec des invités prestigieux : le violoncelliste Warren Ellis (Nick Cave & The Bad Seeds), Cass Mccombs (Supergrass), Rodolphe Burger ou encore Micah Nelson (Neil Young).

 

"Je suis Africain", l'album posthume de la rock star, Rachid Taha, rend hommage au continent africain. Avec une énergie folle, Rachid Taha a conçu aux côtés de Toma Feterman onze titres pour son onzième album solo, se plongeant comme à son habitude dans ses racines. Youyous, flûtes, choeurs de femmes, riffs métal, le franco algérien a créé des tourbillons, des déluges, des torrents dans cet album posthume.

 

Le 11e album studio d'Ibrahim Maalouf à découvrir le 27 septembre 2019.Des cuivres chauffés à blanc, des percussions énergiques, une rythmique taillée dans le roc. Ni vraiment jazz, pas exactement pop, et quelques fois rock, Ibrahim Maalouf invite le public à partager sa musique métissée, fraiche, nostalgique, mais toujours aussi inclassable. Ibrahim et ses 15 musiciens vous embarquent dans un album décapant qui rend hommage à la culture latine et à la musique afro-cubaine... en mode Maalouf!

Rubberband est l'album que Miles Davis a enregistré juste après sa signature chez Warner au terme de plusieurs décennies passées chez Columbia. Ce disque était un nouveau départ pour Miles Davis. Une fois de plus en avance sur son temps, il ajoutait une bonne dose de Funk, de Soul et de groove à son oeuvre. Produit par Davis, Randy Hall & Zane Giles, les sessions Rubberband ont été enregistrées à L.A. entre octobre 85 et Janvier 86. L'album fut soudainement mis de côté lorsque Miles décida d'enregistrer Tutu à la place. Ces sessions sont donc inédites depuis lors. Les producteurs originaux se sont associés avec le neveu de Miles, Vince Wilbrun Jr., pour compléter l'album. A noter l'apparition d'invités tels que Ledisi et Lalah Hathaway ainsi que d'autres surprises...

 

A 3 ans, il assiste à son premier concert rock, a 12 ans, il écoute du punk et du hardcore et s'enferme dans le garage familial avec une guitare de prêt, gâche les premières années de la retraite de sa grand-mère et à 14 ans, il crée son premier groupe Final Blast (tendance hardcore) et crie son indi-gnation face à la société bourgeoise de consommation. C'est à 20 ans, après un passage par l'école de musique de Nancy, qu'il se professionnalise il use alors ses cordes de guitares dans tous les pubs de la régions. Mais son rêve prend forme. 1991 marque son 1er voyage à San Francisco et découvre Tommy Castro, Johnny Nitro, Harvey Mandel (Canned Heat), Ron Thompson et Jim Guyett (bassiste de John Lee Hooker). Il jam avec tous ses nouveaux amis et fait circuler dans la ville une démo du groupe qui arrive chez John Lee Hooker lui-même qui l'appelle pour lui proposer de faire sa première partie. Rod, invité dans la maison du maître, a pu, ébloui, discuter avec "Mr Boom Boom". C'est en 1995 qu'il retourne à San Francisco pour enregistrer dans le studio Alpha & Omega un 1er CD, Rod & The Shotgun's "Mr Alligator". Entre temps, il ouvre pour Roy Rogers, Joe Louis Walker, Jimmy Johnson, Bo Diddley, Wilson Picket, Alvin Lee et Mick Taylor ! En 1998 : il sort un 2ème album, Rod & The Shotgun's "Changer l'horizon" C'est à cette période qu il croise le chemin de Boris Bergman avec lequel il compose 8 chansons de son album Rod "Au bout d'ma ligne". L'album a un ton plus rock et plus acéré et trouve un accès au grand public. Les concerts commencent à s'enchaîner.

 

Repéré sur internet en 2013, la collaboration entre les éditions Miliani et Bror Gunnar Jansson débute avec l'album "Moan snake moan" en 2014. Ce disque marque le décollage de la carrière du dandy suédois : 15 000 exemplaires vendus, un score colossal dans la catégorie Blues pour un premier album. Le disque obtiendra le prix coup de c ur Blues de la prestigieuse académie Charles Cros. ll enchainera avec And the Great Unknown en 2017. La musique de Bror Gunnar Jansson est fortement marquée par l'héritage des pionniers du blues (de Son House à Lightnin Hopkins), mais son univers onirique et mélancolique pourrait trouver sa place dans un film de David Lynch ou encore de Tarantino. La voix reconnaissable, le minimalisme et les aventures de meurtriers évoluant entre Amérique fantasmée et légendes suédoises sont les fils conducteurs de cet artiste unique. De retour avec la formule trio inédite de son nouvel album, le multiinstrumentiste de Göteborg prend un virage rock.

Le pianiste sud-coréen Dong Hyek Lim (1er Grand Prix au Concours international Marguerite Long), protégé de Martha Argerich, revient cette année chez Warner Classics dans un programme consacré à Rachmaninov et son célébrissime second concerto pour piano en compagnie du BBC Symphony Orchestra dirigé par Alexander Vedernikov. Dong Hyek Lim retrouve, sur la deuxième partie du disque, la légendaire Martha Argerich pour une sublime version en duo à deux pianos des Danses Symphoniques. Pour les amateurs de très beau piano, à la fois virtuose et sensible.

L'organiste japonaise culte Kei Koito fait partie de cette catégorie rare d'artistes acclamés par la critique à chaque sortie d'album et à chaque représentation. Prix Diapason d'or notamment pour son premier album chez Deutsche Harmonia Mundi "Organ Music before Bach", Kei Koito enchante autant qu'elle fascine. Donnant de sublimes concerts à travers le monde, son expertise en musique Baroque et de la Renaissance est reconnue et admirée de tous. Son nouveau projet de musique pour orgue autour de la musique de Johann Sebastien Bach "Back To Bach - Famous Organ Works" est un des plus attendus de l'année. Johann Sebastien Bach, avec Georg Friedrich Händel, était sans conteste, l'un des compositeurs les plus importants de l'ère baroque. Le tracklisting de l'album comprend, à la fois des pièces mondialement connues telles Toccata & Fugue in D, Fantasy on 'Jesu, Joy of Man's Desiring', Fantasy on 'Eine feste Burg ist unser Gott', ainsi que des pièces un peu moins célèbres, mais extrêmement demandées. L'album a été enregistré dans la fameuse église St Martinikerk de Groningen aux Pays-Bas, à l'acoustique si précieuse et joué sur l'orgue historique de cette magnifique enceinte.

Le Salve Regina d'Alessandro Scarlatti précèdera une des oeuvres les plus émouvantes du répertoire baroque : le Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi. Composées en 1736 ces pages alternant arias et solos sont basées sur un texte liturgique, bouleversante méditation sur la souffrance de Marie, mère du Christ crucifié. Une véritable légende entoure la genèse de ce " divin poème de la douleur " (Bellini) et contribue à sa grande popularité : commandé par la Confraternité de Saint-Louis du Palais, Pergolèse l'écrivit à Pozzuoli dans un monastère et le termina quelques jours seulement avant sa mort à l'âge de 26 ans. L'écriture vocale particulièrement brillante, la qualité mélodique et la limpidité des phrases musicales font de cette oeuvre un point de passage entre la tradition baroque et le style préclassique.

" Il y a dans la musique quelque chose d'ineffable et d'intime. Aussi passe t'elle près de nous semblable à l'image d'un paradis familier quoique éternellement inaccessible. Elle est pour nous parfaitement intelligible et tout à fait inexplicable. " Ces mots de Schopenhauer évoquent pour moi le mystère ramené à l'essentiel qui habite les oeuvres pour piano solo de Mozart, ainsi les sonates soeurs K.331,332,333, à la fois proches et autres, baignées de lumière, de liberté, de joie, de nostalgie. Mais quand Mozart dit adieu, il le dit en allemand: " Lebewohl " qui signifie " Vis bien "...

"Beethoven autour du monde": Ce projet unique du Quatuor Ebène trouve sa source dans l'universalité de la musique de Beethoven : sa quête de fraternité, la place donnée à la nature, tout comme sa modernité. Sa genèse remonte à 2014 quand le Carnegie Hall de New York a invité le Quatuor Ebène à jouer l'intégrale des quatuors à cordes de Beethoven en 2020 pour célébrer les 250 ans de sa naissance. Cette invitation fait naître l'envie de jouer cette musique autour du monde et pour, comme le dit l'Ode à la Joie, toute l'humanité. D'avril 2019 à janvier 2020 le Quatuor parcourt le monde pour une quarantaine de concerts dans 18 pays et sur les 6 continents. Ce tour du monde bénéficie d'un programme de compensation carbone, orienté vers la reforestation. Le premier volume qui paraît aujourd'hui a été enregistré en live à Vienne afin de préserver toute la sève et la ferveur nourrie par la présence du public.

Remarqué pour ses compositions originales inspirées, poétiques et cinématographiques, le pianiste Riopy nous dévoile aujourd'hui Tree of Light, son nouvel album concept. "Il s'agit d'évolution. Notre évolution en tant qu'être humains, allant vers la lumière et la vie. "The Tree of light / a call to arm", le premier morceau de l'album, est un appel à l'humanité à propos de ce que nous sommes devenus et ce que nous pouvons devenir, sur l'alerte rouge pour notre survie en tant qu'espèce menacée par le changement climatique, et notre poursuite du bonheur, de sagesse et de paix. "Tree of Light" (L'arbre de vie) est un concept, celui d'aller vers la 5e densité, la densité de la lumière et de la sagesse, à travers la 4e densité, qui est la densité de l'amour et de la compréhension. Ces densités sont comme des touches de piano, de la première à la septième, la huitième densité étant l'octave suivante, et ainsi de suite - L'arbre de lumière est alimenté par la musique et agit comme un catalyseur pour l'évolution".

La pianiste Valentina Lisitsa, qui s'est fait connaître du grand public via Youtube, réunit dans un coffret 10cd l'ensemble des oeuvres pour piano du compositeur Tchaïkovski - une première mondiale. Cette collection dévoile deux heures de pièces inédites du compositeur, comme son oeuvre de jeunesse 'Anastasie-valse' et ses transcriptions pour piano d'oeuvres orchestrales. On retrouve également la version piano solo du ballet 'Casse-Noisette' si rarement enregistrée.

Andreas Ottensamer et Yuja Wang dévoilent "Blue hour", un album commun autour des plus belles pièces de musique de chambre de l'ère romantique. Brahms, Weber, Mendelssohn... La clarinette et le piano trouvent sur ce répertoire un accord artistique parfait. L'un des plus grands orchestres du monde, le Berliner Philharmoniker, sous la baguette du légendaire Mariss Jansons, les accompagnent.

A travers l'histoire, les hommes ont toujours eu peur des femmes atteintes de folie, les brûlant comme des sorcières, les enfermant dans des asiles ou encore les soumettant à des analyses psychiatriques. Cependant, ils sont également fascinés, incapables de résister à fantasmer sur elles. Pour leur nouveau disque, Carolyn Sampson et Joseph Middleton ont créé un programme qui explore les réponses de divers compositeurs à des femmes dont l'histoire les a rendus vulnérables et exposés. Ophelia Songs de Brahms, composé pour une production de Hamlet, apparaît aux côtés de celles de Strauss et de Chausson, alors que la mort d'Ophelia est décrite par Schumann (dans Herzeleid) et Saint-Saëns.

 

Kaija Saariaho (née en 1952) est une compositrice qui brasse couleurs et visions, mais aussi pensées et sentiments. Elle puise son inspiration à de multiples sources, extérieures (la nature, les paysages et les arts visuels) ou profondément humaines (la littérature, les rêves et la philosophie). Mais quel que soit le point de départ, le développement de celui-ci en une oeuvre musicale est un processus riche et d'une large portée ; loin de rester prisonnier du sujet original, le produit final se forge sa propre existence. L'inspiration première peut être perceptible à la surface de la musique - dans ses sonorités, ses teintes et ses textures - ou tout autant dans ses structures profondes et sa dynamique interne. Les trois oeuvres proposées sur ce disque offrent trois aspects différents de la musique pour orchestre : une oeuvre purement orchestrale (Ciel d'hiver), un concerto (le Concerto pour harpe Trans) et un cycle de mélodies avec accompagnement d'orchestre (True Fire). Si l'orchestre est également présent dans ces trois compositions, il y dévoile à chaque fois un univers tout à fait particulier.

Après Les Danaïdes et Les Horaces, Les Talents Lyriques concluent leur cycle des opéras français d'Antonio Salieri avec le premier enregistrement mondial de Tarare. Souvent placé injustement dans l'ombre de Mozart, son génial contemporain, Salieri signe ici un authentique chef-d'oeuvre, sur l'unique livret jamais écrit par Beaumarchais.Salieri a le goût de l'exotisme et nous transporte, à la manière de Mozart dans L'Enlèvement au sérail, dans un orient fantasmé à travers les lunettes de la philosophie prérévolutionnaire des Lumières. L'infatigable Christophe Rousset, attaché à redonner vie aux partitions rares ou mystérieusement dans l'ombre, mène un casting cinq étoiles : Le capitaine Tarare (Cyrille Dubois), s'introduit chez le sultan Atar (Jean-Sébastien Bou) afin de délivrer sa bien-aimée, l'esclave Astasie (Karine Deshayes). Sous la trame amoureuse, on devine le réquisitoire de Beaumarchais qui met en scène, en 1787, la révolte du peuple contre le pouvoir tyrannique du sultan - si bien qu'on peut s'étonner que l'intrigue échappât aux mailles de la censure royale de l'époque ! La musique épouse les quiproquos, rebondissements et scènes de grand spectacle du récit pour donner naissance à un opéra qui regarde vers le romantisme, interprété avec jubilation par Les Talens Lyriques et Les Chantres du Centre de Musique Baroque de Versailles. De quoi redorer définitivement le nom de Salieri.

Les pièces figurant sur cet album ont été composées à différents moments de la vie de Debussy et reflètent plusieurs facettes du compositeur, allant du jeune homme en pleine élaboration de son style au maître assurément confiant de son écriture. Le disque s'ouvre avec Printemps, pièce à l'origine pour choeur, piano et orchestre écrite en 1887 pendant le séjour de Debussy en Italie après avoir été récompensé du Prix de Rome. La pièce Nocturnes qui clot l'enregistrement est une des compositions pour orchestre de Debussy les plus appréciées.

Après trois volumes plébiscités par la presse, Jean-Efflam Bavouzet, le Manchester Camerata et Gábor Takács-Nagy continuent leur intégrale des concertos pour piano de Mozart. Ce quatrième opus est consacré à deux concertos mythiques : les n°20 et 21, composés en 1785. La nature sombre et tourmentée du concerto n°20 KV466 contraste à merveille avec l'atmosphère lumineuse du KV467. Les deux oeuvres sont accompagnées d'une interprétation vivante de l'Ouverture à Don Giovanni, qui démontre le jeu exemplaire de la Manchester Camerata.

Entre L'Enlèvement au sérail et l'avènement de la célèbre "trilogie Da Ponte", Mozart se plonge frénétiquement dans la recherche du bon livret, capable d'emmener le spectateur vers des terres encore inexplorées où théâtre et psychologie des personnages seront sublimés par la musique... Dans les années 1782-86 s'élabore ainsi un véritable laboratoire mozartien autour de la musique dramatique : une matière musicale formée d'airs de concert, d'esquisses, d'exercices de style comme le canon... ici magistralement organisée en un dramma giocoso imaginaire en trois scènes, chacun annonçant à sa manière l'un des sommets à venir : Figaro, Don Giovanni, Così..